Что изображено на картине

«Менины» Веласкеса: о картине с двойным дном

что изображено на картине
Диего Веласкес. Менины. 1656 г. Музей Прадо, Мадрид.

Диего Веласкес (1599—1660) — один из величайших художников всех времён.

Самое удивительное, что ему вообще удалось это доказать потомкам.

Он был придворным художником испанского короля. Написал бесчисленное количество его портретов, а также портретов его семейства и придворных.

Как правило, талант в таких условиях чахнет. Ведь нужно писать то, что понравится узкому кругу людей.

Шедевры же создаются по-другому. Гораздо чаще вопреки вкусам окружающих.

Но Веласкесу удалось невозможное. И яркое тому подтверждение — его главный шедевр «Менины».

«Менины» — портал в другой мир

Сюжет «Менин» Веласкеса сложный. Но он поддаётся расшифровке.

5-летняя инфанта (испанская принцесса) пришла в мастерскую художника в сопровождении своей свиты. Она захотела посмотреть, как создаётся портрет её родителей — королевской четы.

Сложность сюжета в том, что Веласкес изобразил эту сцену очень неординарно.

Кажется, что половина персонажей смотрит на нас. Но на самом деле они глядят на короля с королевой, которых рисует Веласкес. Поэтому он и стоит рядом с холстом.

О том, что это именно так, мы узнаем благодаря зеркалу за спиной художника.

В нем отражается пара. Это Король Филипп IV и его жена Марианна Австрийская.

Для меня эта задумка художника очевидна по одной простой причине.

В верхнем правом углу зеркала отражается красный занавес. Такой же оттенок красной краски мы видим и на палитре художника.

Несмотря на размытость изображения, нам нетрудно определить, что изображены именно Филипп IV и Марианна Австрийская. Слишком уж у них характерные черты. Достаточно посмотреть на другие их портреты.

Портреты Диего Веласкеса. Слева: Марианна Австрийская, Королева Испании. 1655—1657. Музей Тиссен-Борнемисы, Мадрид. Справа: Филипп IV, Король Испании. 1644 г. Коллекция Фрика, Нью-Йорк

Веласкес сделал невообразимое. Он показал не тех, кого рисуют. А то, что видят те, кого рисуют. И видят они это нашими глазами. Ведь мы стоим на их месте.

Так художник максимально вовлекает зрителя в пространство картины. И значительно это пространство расширяет. За счёт того, что мир картины виртуозно соединен с нашим миром.

Дальше — больше. Мир картины не заканчивается стенами мастерской. На заднем плане придворный распахнул дверь, когда впускал инфанту со свитой. Оттуда льётся яркий свет. Там их мир продолжается.

Можно даже выразиться в фантастическом ключе. Два мира: тот, что за дверью, и наш мир — соединены происходящим на картине. «Менины» — это портал между двумя мирами.

Невообразимый эксперимент Веласкеса

Сразу возникает вопрос, как Веласкесу удалось осуществить такой эксперимент.

На картине он изобразил испанскую принцессу. Это, конечно, одобрялось.

Но ещё и её свиту. В том числе карликов. Никому до Веласкеса не позволялась такая дерзость.

Задача придворного художника — прославлять короля и его подданных. Изображать доблесть, отвагу и иные прекрасные качества его Величества. А их вовсе могло не быть

Настоящему мастеру это было скучно. Веласкесу в том числе. И он пытался самовыражаться по мере возможности. А так как Филипп IV ему очень доверял, художнику это позволялось.

Поэтому Веласкесу удалось создать серию портретов карликов, служивших шутами при дворе. На портретах это не шуты, а обычные придворные. Художник не делал различий между ними и людьми из высших сословий.

Диего Веласкес. Дон Себастьян де Морра. 1645 г. Музей Прадо, Мадрид.

Другому художнику это бы не сошло с рук. Ведь карлики были, по сути, рабами, людьми без прав. Часто их покупали за деньги, чтобы они служили в господском доме.

Автопортрет Веласкеса, «вшитый» в «Менины»

Ещё одну дерзость позволил себе Веласкес. Рядом с семьей короля он изобразил себя.

Диего Веласкес. Менины (фрагмент с автопортретом). 1656 г. Музей Прадо, Мадрид.

Известно, что Веласкес был честолюбив. Он, выходец из небогатой еврейской семьи, написал самого себя рядом с принцессой. Для того времени это было величайшим достижением.

Такого себе не мог позволить ни один придворный художник. До Веласкеса.

А после него это сделал лишь Франсиско Гойя. Ему тоже было можно. Вот он стоит у холста позади семьи Карла IV. 150 лет спустя.

Франсиско Гойя. Портрет семьи Карла IV. 1800 г. Музей Прадо, Мадрид.

О том, что Веласкес честолюбив, нам говорит ещё пара деталей. На момент написания картины мастеру было 57 лет. Но на полотне он явно выглядит моложе лет на 15. Конечно, чтобы соответствовать окружению.

А ещё мы видим на его груди красный крест — это орден Сант-Яго, высшая награда в Испании в XVII веке. Но Веласкес получил его после написания картины

Считается, что дорисовал орден другой художник по приказу короля уже после смерти Веласкеса. Но я больше склоняюсь к версии о том, что мастер сделал это сам.

Слишком уж оттенок креста гармонирует с другими красными красками на картине. Особенно он сочетается с украшениями на платьях инфанты и фрейлин.

Диего Веласкес. Менины (центральный фрагмент). 1656 г. Музей Прадо, Мадрид.

Кто же главный герой картины

Кто главный герой картины, понятно сразу. Инфанта Маргарита.

Именно ее Веласкес выделяет светом. Вернее, более светлыми красками, создающими у нас иллюзию того, что девочка больше всех освещена.

Диего Веласкес. Менины (фрагмент). 1656 г. Музей Прадо, Мадрид

Видно, что Веласкес рисует ее с особенной нежностью. Розовые щечки, губки. Белокурые, по-детски жиденькие волосы.

Мы знаем, что художник искренне любил девочку. Она не могла не нравиться. Несмотря на близкородственный брак ее родителей (мать — племянница отца), каким-то чудом девочка родилась здоровой и миловидной. К тому же имела необременительный для окружающих характер.

Также освещены светом фрейлины инфанты (по-испански — менины). Они тоже миловидны. Картина называется в их честь. Но я не думаю, что так назвал её сам Веласкес.

Долгое время она числилась в каталогах под названием «Семья Филиппа IV». Видимо, название «Менины» закрепилось позднее с лёгкой руки одного из хранителей картины.

В более приглушенном свете мы видим карлицу — няню инфанты. К ней относились при дворе благосклонно. Ведь она ухаживала за Маргаритой с рождения. За единственным на тот момент выжившим ребёнком королевской четы.

Возможно, карлице ставили это в заслугу. Поэтому и наградили орденом. На картине она трогает его рукой и как бы демонстрирует нам.

Диего Веласкес. Фрагмент картины «Менины» (карлики). 1656 г. Музей Прадо, Мадрид.

А рядом с ней ещё один карлик — ребёнок. Он играючи поставил ногу на пса. Дело в том, что лишь карлики могли вести себя раскованно при дворе. Обычный придворный не мог себе позволить обижать пса инфанты.

Интересный факт. Того портрета Филиппа IV и королевы Марианны, который Веласкес якобы пишет в «Менинах», в реальности не существовует. Скорее всего, художник его выдумал.

А вот отдельный портрет инфанты Маргариты в этом же платье сохранился. На фоне того самого красного занавеса.

Диего Веласкес. Портрет инфанты Маргариты. 1656 г. Музей истории искусства, Вена.

Почему так? И вот мы приблизились к главной загадке картины

загадка «Менин»

Почему важные люди, влияющие на жизнь Веласкеса, на картине играют явно второстепенные роли?

Король с королевой лишь отражаются в дальнем зеркале. Маршал стоит в самой дали на лестнице — его черты еле различимы. Ещё один придворный и вовсе в тени.

Диего Веласкес. Менины (деталь). 1656 г. Музей Прадо, Мадрид.

Мне очень импонирует гипотеза замечательного искусствоведа Паолы Волковой.

Все дело в положении Веласкеса при дворе. Со стороны может показаться, что оно было завидным. Король назначил художника главным постельничим. Его мастерская примыкала к покоям монарха. И он не только писал портреты, но и следил за порядком вещей и чистотой ночных горшков.

Нам это кажется оскорбительным. Но в то время — нет. Ведь люди искренне верили, что Король — посланник божий. И мытьё за ним горшка — это привилегия, а не унижение.

Может, Веласкес в это тоже хотел верить, но подсознательно догадывался о своём унизительном положении.

Да и другие придворные его не жаловали. Как раз за его приближенность к королю. Против него плели интриги.

«Менины» — это скрытый протест. И стремление отодвинуть на второй план тех, кто его унижает.

А вот девочка-инфанта была ему близка и мила. Она в силу возраста и характера не желала ему зла. Более искренними были и карлики. И фрейлины. Поэтому они на первом плане.

На первом плане не только на картине, но и в сердце художника.

Источник: https://arts-dnevnik.ru/meniny-velaskes/

Сочинение по картине Шишкина Рожь 4 класс

что изображено на картине

Шишкин Иван Иванович, знаменитый русский художник, который работал в новом виде живописи, это «пейзаж настроения». Данный вид живописи смогли осилить не многие художники того времени. Именно Шишкин обладал феноменальным талантом и мог передавать настроения через холст. Одним из таких примеров, есть картина «Рожь». Картина была написана Иваном Ивановичем в середине лета 1878 года.

В данном полотне изображено самое драгоценное богатство русской земли – это рожь. Благодаря ей, у людей был на столе пахучий, пышный хлеб. Именно он давал людям силу и энергию для дальнейшей работы.

На картине изображена спокойная природа. На первом плане мы видим огромное поле золотистой ржи. Зерно в колосьях уже созрело и от своей тяжести преклоняются к земле. По всему полю разбросаны, как синие бусы, цветки необычайно красивых васильков.  Они как звездочки на небе сверкают в поле.

В средине самого поля идет извилистая проселочная дорога. Она извивается как уж, и уходит глубоко в поле, к горизонту. По этой дороге ездят не часто, так как дорога на половину покрыта темно-зеленой травой, местами виднеются белоснежные полевые ромашки.

По самому полю, стоят высокие ели. Они как-будто стражи этого поля. Шишкин очень часто изображал в своих картинах сосны и ели. Он считал их особым оберегом и символом русской земли.

По правую сторону стоит самая высокая и пышная ель. Она как стража, не дает пройти никому. Все должны обратить на нее внимания. Есть такие деревья, у которых половина ствола голая. Возможно, северные ветра погубили своим холодом дерево. Так ели уходят глубоко за горизонт.

https://www.youtube.com/watch?v=dYNHrAAjqP8

В небе виднеются мимо пролетающие птицы. Небо особенно захватывает своего зрителя. Оно небесно-голубого цвета. Но ближе к горизонту виднеются тучки, они темнее. Такие тучи сулят, что скоро пойдет летний дождь. Возможно, он будет с грозой.

От самой картины веет спокойствием и умиротворением. Хочется стоять часами и вглядываться вдаль. Все глубже и глубже продумывать каждую деталь. Можно только представить, что именно ты стоишь посреди данного поля, вдыхаешь этот чистый воздух глубоко – глубоко, а потом изо всех сил закричать. В этот момент можно ощутить полную свободу. Именно это ощущение Шишкин и хотел передать данной картиной своему зрителю.

Вариант 2

Шишкин – один из русских художников, любивший изображать на своих картинах красоту пейзажей нашей России. Его картины завораживают естественностью, правдивостью и легкостью. Каждую из них хочется рассматривать долго и внимательно. Природа русской земли поистине неповторима, щедра, красива и богата. Именно этот художник подарил нам множество шедевров, на которых изображены прекрасные пейзажи.

На знаменитой картине «Рожь» мы видим множество колосков золотистого цвета. Теплые оттенки краски передают всю щедрость и дары матушки земли. Между колосьями ржи пробегает тропинка, уходящая вдаль и манящая за собой. По ней очень хочется прогуляться, вдыхая аромат чистого воздуха и душистого поля. По склонившимся колоскам можно определить, что рожь уже созрела и наполнилась зернышками.

На фоне луговых трав темно-зеленого цвета рожь выглядит как лучики солнца золотого цвета. По центру картины мы видим могущественную сосну. По тяжелым и густым веткам видно, что дерево уже взрослое и высокое.

Нижние ветки соприкасаются с полем и колосками, из-за чего мы видим яркий контраст цветовой гаммы. Вдали посередине поля виднеются еще несколько молодых сосенок, тонких и высоких. А на самом заднем плане можно разглядеть полосу леса.

Облака немного сгустились, что говорит нам о вечернем времени суток.

Художник очень точно и четко передал пейзаж, золотое поле ржи, силу и мощь хвойных деревьев. Картина настолько выглядит натурально, что имеет большую схожесть с фотографией.

Гениальный художник Шишкин завоевал сердца не только русских людей. Его картины очень любят и иностранные ценители прекрасного искусства. А во многих квартирах и домах пейзажи Шишкина украшают центральные стены, создавая атмосферу уюта и радостное настроение. В школах, детских садиках и офисах тоже очень часто можно увидеть знаменитые картины с русскими просторами, ведь Шишкин – один из любимых художников во всем мире.

Описание картины Рожь Шишкина 2

Глядя на эту картину, вспоминаются слова песни: «Поле, русское поле». Вот оно это поле. Таких полей в нашей огромной России считать — не пересчитать. Созрела рожь.

Огромное желтого цвета поле простирается до самого горизонта. Оно кажется золотым, безбрежное, как море. Отдельными островками стоят в нём вековые сосны. Они стоят до самого горизонта. Когда распахивали землю, не стали их выкорчёвывать.

Сосны стоят, как стражи-великаны и наблюдают за порядком. Они такие высокие, что кажется, подпирают небо. Оно уже не ярко-голубое, а какое-то выгоревшее от жаркого летнего солнца.

Дерево, которое изображено на переднем плане картины справа с одной стороны совершенно голое. Это наверно северная сторона. А с других сторон его могучие лапы свисают прямо до земли и, образуют небольшой островок тени.

На левой стороне картины также изображены растущие сосны. Некоторые из них имеют пышную крону. Одно «одето» только до половины. И одно дерево стоит совершенно голое, без веток и листьев, потеряло свой наряд во время грозы. И как-то диссонирует с остальным великолепным пейзажем.

По полю петляет грунтовая дорога. Видна наезженная колея от проезжавших по ней автомобилей. Кажется, что в воздухе пахнет пылью. Сейчас она пустынна. Видно, не дошла ещё очередь до этого поля. Но скоро, совсем скоро придут сюда люди, заурчат комбайны и машины, и начнётся горячая страда — битва за урожай. Убрать его надо быстро и без потерь. Поэтому, и битва.

Кое-где видна зелёная трава. Среди этого золота мелькают голубые и белые пятнышки. Это цветут васильки и ромашки.

Рожь созрела, это видно по наклонившимся колоскам. Надо срочно убирать её, пока она не начала осыпаться и не начались дожди. А тучки-то уже собираются на горизонте. Об этом и сообщают летающие низко птицы. Но пока на поле не видно ни одного комбайна.

Картина написана так реалистично, что можно даже предположить, какой изображён регион. Явно климат резко-континентальный — холодная, суровая, ветреная зима (деревья с одной стороны потеряли ветки от морозных ветров) и жаркое знойное лето.

Картина написана в спокойной, величественной манере. Тщательно прописана каждая деталь, каждый колосок, каждый цветочек и травинка. От неё веет теплом летнего дня, запахом будущего хлеба. Так и хочется лечь на спину в созревшую рожь, задрать голову к небу, ощутить на губах молочную спелость зёрен, послушать, о чём стрекочут кузнечики, и трещат в воздухе птицы.

Только влюблённый в Россию, русскую природу человек, мог рисовать такие жизнеутверждающие картины. Россияне соберут богатый урожай и будут с хлебом. Будет народ сытый, да ещё и за границу продадут. А будет хлеб, будет и песня.

Вариант 4

Работа, впервые обнародованная во время передвижной выставки, в этот же момент надёжно установилась среди публики и неповторимых изображений русской природы. В наше время крайне трудно найти подобную по известности картину, относящуюся к пейзажу России.

Шишкин заключил в представленной работе основные тона русского изобразительного искусства, которые всегда используются в написании икон: голубой и золотисто жёлтый. В чём и состоялся простой секрет успеха. Цвета православных мощей сопоставляют картину с миром, божественным и вечным. Такое символическое сочетание объединяет природу России с божественным.

Густо растущая по краям поля зелень завершает палитру работы так же, как и верхушки сосен в дальней части картины. Символическое значение деревьев придаёт смыслу картины оживлённость, силу духа и стремление. Деревья на картине воплощены богатырями из сказаний, сторожащими поле.

Противопоставлением стоит погибшее, чахлое дерево. Через это дерево автор передал личную трагедию, известную тем, кто знаком с его биографией, так как до написания картины художник простился с дорогим и родными ему людьми. Его покинули двое детей, жена и отец.

Драматургия, эмоциональная линия и символ автора в этой картине приближает зрителя к работе. Отображённое на холсте наполнено атмосферой лета с его зноем и жаждой влаги.

ЭТО ИНТЕРЕСНО:  Православный крест что означает каждая перекладина

Просёлочная дорога аккуратно делит поле на неравные половины, внося в картину энергию, а люди придают пейзажу неповторимы интерес. 

Два небольших, казалось бы, человека представляют всю величину и пространность природы России в сопоставлении с собой. Едва выглядывающие на горизонте облака, полные величия и влаги, несут в себе прохладу и свет. Всё, что изображено на картине, от ржаного поля и травы до каждого колоса, готово впитать дождевую воду. Атмосфера работы помогает зрителю услышать симфонию летнего поля: жужжание и шелест, стрекотание и возгласы ласточек.

2, 4, 6, 8 класс

Популярные сегодня темы

Источник: https://sochinimka.ru/sochinenie/po-kartine/shishkin/rozh-2-4-6-8-klass

Звездная ночь | The Starry Night

что изображено на картине

«Звездная ночь» была написана в 1889 году и сегодня является одной из самых узнаваемых картин Ван Гога. Начиная с 1941 года, данное произведение искусства находится в Нью-Йорке, в известном Музее современного искусства. Винсент Ван Гог создал данную картину в Сан-Реми на традиционном холсте размером 920х730 мм. «Звездная ночь» написана в довольно специфическом стиле, поэтому для оптимального восприятия лучше смотреть на нее издалека.

Стилистика

На данной картине изображен пейзаж в ночное время, который прошел через «фильтр» творческого видения самого художника. Главными элементами «Звездной ночи» являются звезды и луна. Именно они изображены наиболее выраженно и в первую очередь притягивают к себе внимание. Кроме того, Ван Гог применил специальную технику для создания луны и звезд, благодаря чему они выглядят более динамично, как будто постоянно движутся, неся чарующий свет сквозь безграничное звездное небо.

На переднем плане «Звездной ночи» (слева) изображены высокие деревья (кипарисы), которые тянутся от земли к небу и звездам. Они как бы хотят покинуть земную твердь и присоединиться к танцу звезд и луны. Справа на картине изображен непримечательный поселок, который раскинулся у подножья холмов в ночной тиши, он равнодушен к сиянию и бурному движению звезд.

Общее исполнение

В целом, при рассмотрении данной картины, чувствуется виртуозная работа художника с цветом. При этом экспрессивное искажение достаточно хорошо подобрано с помощью уникальной техники мазков и сочетания цветов.

Также наблюдается равновесие светлых и темных тонов на полотне: слева внизу темные деревья компенсируют высокую яркость желтой луны, которая расположена в противоположном углу. Основной динамический элемент картины – это спиральный завиток почти в середине полотна.

Он придает динамику каждому элементу композиции, стоит также отметить, что звезды и луна кажутся более подвижными, чем остальные.

«Звездная ночь» также обладает потрясающей глубиной отображаемого пространства, которая достигнута посредством грамотного использования мазков разных размеров и направленности, а также общего цветового сочетания картины.

Еще один фактор, который помогает создать глубину картины – это использование объектов разной величины. Так, городок находится вдали и на картине он маленький, а деревья наоборот – они небольшие сравнительно с поселком, но расположены близко и поэтому на картине они занимают достаточно много места.

Темный передний план и светлая луна на заднем – инструмент для создания глубины цветом.

Картина по большей степени принадлежит к живописному стилю, а не линейному. Это обусловлено тем, что все элементы полотна созданы при помощи мазков и цвета. Хотя при создании поселка и холмов Ван Гог применил контурные линии.

Видимо, такие линейные элементы были использованы для того чтобы как можно лучше подчеркнуть разницу между предметами земного и небесного происхождения.

Таким образом, изображение неба получилось у Ван Гога чрезвычайно живописным и динамичным, а поселок и холмы – более спокойным, линейным и размеренным.

В «Звездной ночи» преобладает колоритность, при этом роль света не так заметна. Основными источниками освещения служат звезды и луна, это можно определить по рефлексам, которые расположены на строениях городка и деревьев у подножья холмов.

История написания

Картина «Звездная ночь» была написана Ван Гогом в период лечения в больнице города Сен-Реми. По просьбе его брата Ван Гогу разрешали в случае улучшения состояния здоровья писать картины. Такие периоды возникали довольно часто, и за это время художник написал целый ряд картин.

«Звездная ночь» — одна из них, при этом интересно, что данная картина была создана по памяти. Такой метод применялся Ван Гогом довольно редко и не свойственно данному художнику. Если сравнивать «Звездную ночь» с ранними работами художника, можно сказать, что она является более экспрессивным и динамичным творением Ван Гога.

Однако после ее написания колорит, эмоциональная загруженность, динамика и экспрессия на полотнах художника только возрастали.

Источник: http://vangogh-art.ru/kartiny/peizazhi/zvezdnaya-noch/

История одного шедевра: «Крик» Мунка

На мосту под багряным небом стоят люди. В пейзаже угадывается вид фьорда с холма Экеберг в Осло (которое во время Мунка называлось Христианией).

Сущность центрального образа остается загадкой. Художник не стремился к прорисовке это фигуры. Мунк пишет сам звук, состояние. Посмотрите, как согласованы линии, которыми написаны пейзаж и кричащий. Они словно в резонансе. Человек слышит крик природы и реагирует на него, и природа не может не отозваться на состояние человека. По сути, это идея вселенского единения.

В природе вы не найдете ни одной идеально прямой линии. И Мунк пишет окружающее именно в том виде, в каком оно было создано. «Я рисую не то, что вижу, а что увидел», — говорил он.

О том, что легло в основу «Крика», сам художник написал в своем дневнике: «Я шёл по тропинке с двумя друзьями — солнце садилось — неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и оперся о забор — я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-черным фьордом и городом — мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу».

Как выглядела изображенная на картине местность. (Pinterest)

Образ, который родился у Мунка, — это синтез того, что он чувствовал в то время, тех настроений, которые витали в Норвегии, детских страхов, бесконечной депрессии и одиночества.

Не исключено, что багряный цвет неба не преувеличение. Мунк действительно мог видеть такой цвет. В 1883 году в Кракатау произошло мощнейшее извержение вулкана. В атмосферу было выброшено огромное количество пепла, из-за чего в течение нескольких лет по всему миру наблюдались особенно красочные, огненные закаты.

Вполне возможно, что и тот крик, который слышал Мунк, не некая идея или галлюцинация. Рядом с Экебергом располагались крупнейшая скотобойня Осло и психиатрическая клиника. Крики забиваемых животных вместе с воплями душевнобольных были невыносимы.

Контекст

Всего «Криков» существует около сорока. Четыре из них — живописные картины (они появились в период между 1893 и 1910 годами), остальные работы — графические (включая печатную графику и рисунки). Картина задумывалась как часть «фриза» — серии о любви, жизни и смерти.

Впервые «Крик» был представлен публике на берлинской выставке в декабре 1893 года. Конечно, никто ничего не понял, критика ополчилась на Мунка, а в галерею даже пришлось пригласить полицию, чтобы разъяренные люди не устроили погром.

Фрагмент фриза. (Pinterest)

Публика недоумевала, как столь приятный молодой человек может писать такие ужасные картины. Однако именно эта работа стала программной для экспрессионизма. Она принесла в искусство пронзительное одиночество и отчаяние. Нам, знающим, что ждет мир в XX веке, волей-неволей хочется назвать Мунка прорицателем.

Судьба художника

Семья Мунка была крайне религиозной. Его мать умерла от туберкулеза, когда Эдварду было 5 лет. Позднее от той же болезни скончалась старшая сестра Софи. Сам Мунк чудом избежал той же участи.

Королевскую школу Дизайна Кристиании Эдвард не закончил — он был не согласен с принципами академизма и натурализма, изменить которые было невозможно. Мунк начал самостоятельные поиски средств выражения своих идей. Первый скандал не заставил себя ждать.

Критики буквально высмеивали картину «Больная девочка», на которой художник написал умирающую Софи. Полотно называли выкидышем, недоделкой.

Однако Мунк и не попытался передать обстановку, в которой умирала его сестра, для него было важнее перенести на холст свои впечатления, боль и утрату.

«Мадонна». Эту картину называют воплощением искусства Мунка. (Pinterest)

Во второй половине 1880-х художник стал завсегдатаем собраний «Богемы Кристиании» — содружества философов, писателей, музыкантов, художников, существовавшего до смерти главного его вдохновителя — писателя-анархиста Ханса Егера. Под звон бокалов они обсуждали политику, социальные проблемы, нравственный кризис общества, идеи о сексуальном поведении и табу.

В начале 1890-х Мунк много времени провел во Франции, где, безусловно, видел работы Ван Гога и Гогена. И то влияние, которое они на него оказали, заметно, в том числе, и в «Крике»: яркие цвета (которых раньше не было у Мунка), образы из перетекающих линий, более четкая прорисовка.

В мастерской Мунка, 1902. (Pinterest)

В дальнейшем стиль художника становится все более резким, размашистым, меняется тематика, настроение, уходит тот надрыв, который был в ранних работах. Постепенно к искусству Мунка начали привыкать, критика была уже не столь категоричны, у художника появляются даже обеспеченные покровители.

Последние 15 лет художник почти не работал — из-за кровоизлияния в стекловидное тело правого глаза у него начались проблемы со зрением. А когда в 1940 году Норвегия была оккупирована нацистской Германией, Мунк вновь впал в тревогу, на этот раз за жизнь и имущество, которое могли конфисковать нацисты. Скончался он в 1944 году.

Источник: https://diletant.media/articles/32267145/

Описание картины виктора васнецова «снегурочка» — Описание картин

Снегурочка

На картине Виктора Михайловича Васнецова изображена девушка в зимней одежде. Она стоит в дремучем лесу на поляне. Лесная поляна покрыта толстым слоем снега, об этом свидетельствуют глубокие следы оставленные девушкой. Вокруг раскинулись красивые, зеленые елки и немного голых стволов, наверное, в теплое время года эти голые стволы превращаются в пышные березки.

Судя по названию картины, это не просто гуляющая или заблудившаяся в лесу девушка, а настоящая снегурочка.

Она одета в богатый наряд из меховой шубы и шапки, украшенными красивыми узорами. Снегурочка путешествовала по зимнему лесу и вдруг, что-то заметила и замерла на месте. Что она увидела? Не художника Васнецова? Этого мы не узнаем. Как бы там не было, но картина имеет волшебную, новогоднюю атмосферу, неся в наш мир осколки сказок.

Сочинение по картине Снегурочка Васнецова

Виктор Михайлович Васнецов, вдохновленный персонажем русских народных сказок Снегурочкой, написал картину с одноименным названием.

В центре картины стоит снегурочка. Она одета в роскошную, светлую парчовую шубу, расшитую интересным орнаментом, милую шапочку с меховой окантовкой и теплые варежки. Такой наряд могут носить только богатые. Она гуляет по зимнему вечернему лесу.

Но в лесу не темно, лунный свет освещает Снегурочку. Она смотрит вдаль, пытаясь что-то увидеть. Она очень красива. Она юна и свежа. А на фоне чистого белого снега Снегурочка выглядит еще ярче. Тем самым автор подчеркивает ее красоту.

Она светится нежностью, женственностью и невинностью. Но ее разведенные в стороны руки и осторожная походка говорят о ее волнении, возможно, она первый раз нашла эту полянку. Возникает вопрос, как же такая хрупкая  девушка оказалась посреди этого загадочного леса.

Ее глаза наполнены страхом. Картина создает впечатление тревоги, надвигающейся беды с героиней.

Стоит уделить внимание цветовой гамме. Васнецов выбирает холодные тона, свойственные зиме.

Белоснежные сугробы на переднем плане и темный пугающий лес, ночное небо, украшенное несколькими звездочками,  вдалеке видны огоньки деревни на заднем плане.

Деревня и люди пугают, но интересуют Снегурочку, наверно поэтому она так осмотрительно выходит из чащи. Она умело обходит капканы, не подозревая, какое горе с ней случиться.

Образ Снегурочки символизирует не только настоящую красоту русской женщины, но и красоту русской души. Васнецов создает впечатление беззащитной, но храброй и бесстрашной девушки, которую влечет неизвестность. Снегурочка демонстрирует русскую силу духа.

В данный момент известная картина Васнецова «Снегурочка» выставлена в Третьяковской галерее.

Полное сочинение описание картины Васнецова Снегурочка 3 класс

Картина Васнецова «Снегурочка», возможно не так известна, как другие его полотна: «Витязь на распутье», «Богатыри», «Баян», но она поистине является жемчужиной Третьяковской галереи.

Виктор Михайлович Васнецов был истинно русским живописцем. Он вырос в многодетной семье сельского священника в Вятской губернии.

Его отец Михаил Васильевич был очень образованным, начитанным человеком, сумевшим привить своим детям любовь к искусству, науке и русскому фольклору.

С младых ногтей будущий живописец впитывал очарование русской природы, величие былин, таинственность сказок и преданий.

«Снегурочка» создавалась как эскиз к оформлению декораций и костюмов персонажей одноименной оперы Римского-Корсакова, но красота и трогательность Снегурочки поразили тех, кто ее видел и полотно стало художественным шедевром.

Даже при по поверхностном взгляде на картину невольно проникаешься сочувствием к героине. Робко ступающая по ночному заснеженному лесу девушка сразу же располагает к себе и вызывает желание помочь ей, уберечь от горестей и бед, грозящих в неизвестном ей мире. Она уже вышла из родного скованного стужей леса и делает первые шаги по хрустящему снегу в новую жизнь.

Преодолевая тревогу и страх, Снегурочка навсегда прощается со своим прошлым. Еще не знает она как трагична будет ее судьба, что она, ледяная девочка, посмеет преступить грань отделяющую ее от людей и полюбить. Не знает, что этот человеческий поступок погубит ее. Но все это будет потом, а сейчас, борющаяся с робостью и сомнениями, Снегурочка выходит на опушку леса.

Вдалеке тускло и пугающе светятся желтоватые огоньки деревенских изб. Сама же Снегурочка и все, что окружает ее выполнено художником в излучающих чистоту бело-голубых тонах. Только деревья за ее спиной и ночной мрак в поле контрастируют с передним планом, но и их пронизывает нежное сияние, исходящее от ледяной девочки.

Все в этом полотне слито воедино кистью художника: свет и тьма, надежда и тревога, красота и ужас. Картина завораживает и пробуждает в душе самые светлые и теплые чувства.         

Сочинение по картине Нисского Февраль подмосковье, 5 класс (описание)

Февраль подмосковье

Прекрасны леса в белом убранстве, горы с лавиноопасными спусками, реки замершие, заливные луга под снегом. Но по своему красива зима в окрестностях города. На картине «Февраль. Подмосковье» автор с любовью и большим мастерством изобразил зиму в городских окрестностях. Эту работу написал маслом на холсте Григорий Григорьевич Нисский в 1957 году, в феврале.

На картине мы видим, как зима не спеша уступает место весне. Вглядываясь в этот пейзаж зритель понимает, и даже чувствует, что снег уже не зимний, и морозы большие ушли на север, и на небе рядом со свинцовыми тучами небо окрасилось в теплый розовый цвет.

Судя по тому во что одеты люди становится понятно, что стоит теплая для зимы погода, но еще не зазвенела капель, не запели ручьи, не превратилась в кашу снежная постель. Природа и люди словно притихли в ожидании чудесного пробуждения. Только стук колес движущегося поезда нарушает тишину.

Длинные тени, изображенные художником передают нам ощущение конца рабочего дня и соответственно наше настроение невольно становится домашним.

Автор изобразил молодую энергичную девушку, которая в одиночестве совершает прощальный забег по слежавшемуся, уже влажному и тяжелому снегу. Наверное она очень любит зиму. Куда- то спешат машины, похожие на жучков. Дорога чистая, не скользкая и это радует, ведь по заледенелой дороге ездить смертельно опасно, и все путники благополучно приедут домой.

Все обыденно на полотне, и асфальтная дорога, и часовенка, обнесенная незамысловатым забором, и еловый лес не похож на захватывающе красивые буреломы и дебри работ Шишкина. Но человеку греет душу эта неброская, не яркая, а очень мягкая красота. И хочется верить, что не смотря ни на что, впереди весна, и принесет она нам только хорошее, а сами мы станем лучше, чище и добрее.         

Краткое мини описание сочинение №2

Зима — сложный период для изображения на холсте. Много белого и мало контраста. Но по картине Г.Г. Нисского «Февраль. Подмосковье.» не скажешь что художник испытывал какие-то трудности. Изображая этот пейзаж, Григорий Григорьевич уделил много внимания пропорциям и формам. Поле отделено от холма ровной дорогой, а земля от неба елями и железной дорогой.

Второе что бросается в глаза — это освещение. На картине хоть все и в снегу, но ощущается что скоро весна. Солнце светит уже по весеннему ярко и с высока, да и лыжники одеты легко. Рассматривая картину понимаешь что в жизни нет чётких граней: лес незаметно переходит в город, а зима в весну.

Задание

Что вы видите на переднем плане картины? Что изображено на заднем плане? Как художник показывает, что дорога уходит вдаль? Какие ещё предметы, изображённые на картине, подчёркивают стремительность жизни? Какие краски и тона преобладают?

ЭТО ИНТЕРЕСНО:  Как жить если не хочется

Сочинение

Перед нами наипрекраснейшая картина замечательного художника Г.Г. Нисского.

На переднем ее плане изображается церковь окруженная лесом. Напротив нее находится гора, полностью покрытая снегом, как и все на этой картине. На этой белоснежной горе стоят несколько различных домов. Между этими двумя объектами лежит дорога, уходящая в даль. Вдоль этой дорого некий человек решил, прокатится на лыжах. Скорее всего, это спортсмен.

Видно, что по дороге движется машина. Но неизвестно в какую сторону она передвигается. Вдали дорога с обеих сторон окружена различными типами деревьев. В основном это ель. Прямо у подножия горы виднеется какой-то тунель или дверь. Возможно это элементарный проход или проезд под данной возвышенностью.

На данной картине Нисского преобладает белый цвет. Это-последствие того, что на картине изображено зимнее время года. На небесах планируют темные, густые тучи. Это вероятно последствия того, что в зданиях, стоящих на горе, топится обычная доменная печь и из труб идет густой и темный дым.

Эта картина раскрывает всю красоту зимы и ее величие. Мне данная картина очень понравилась. Она не сильно красочная, но ее красота не знает границ.

Другие интересные картины

← Подмосковная зима Нисский Г.Г.Радуга →

Источник: http://sochinite.ru/sochineniya/sochineniya-po-kartinam/sochineniya-po-kartinam-xudozhnika-nisskogo-g.g/sochinenie-opisanie-kartinyi-nisskogo-fevral-podmoskove-5-klass

9 средневековых картин, на которых изображены НЛО

Ученые уже даже не удивляются, увидев очередной круг или треугольник, изображенный на стене первобытного храма или пещеры. «Ну вот, снова НЛО, ничего интересного», — наверняка думают они.

Но если все это еще и можно списать на несовершенство изобразительных техник наших далеких предков, которые, возможно, хотели донести до потомков что-то вроде «А вот это облако похоже на безголового мамонта. Правда, здорово?», то появление неопознанных летающих объектов на средневековых картинах религиозного содержания уже как-то совсем неприлично!

«Благовещение со святым Эмидием», 1486 г

Картина была написана художником Карло Кривелли и изображает Деву Марию незадолго до того, как она поняла, что принесет в мир Иисуса Христа. Согласно канонической версии, луч света с небес как раз и сообщает Марии эти новости.

По версии же любителей летающих тарелочек, на картине изображено НЛО, а ребенок, который родился у Марии, был не божественного происхождения, а инопланетного и вживлен ей в организм при помощи генной инженерии внеземных цивилизаций.

«Распятие Христа», 1350 г

Картина находится в главном сербском монастыре Высокие Дечаны в Косове. В верхних левом и правом углах видны два летательных аппарата, пилот первого оглядывается на второго — возможно, его преследуют. По официальной версии, на картине изображены луна и солнце. Однако, как известно, они не обожествляются в христианской религии. Поэтому, почему они персонифицированы, непонятно. По правде говоря, за такое богохульство в 1350 году недолго было и на костер угодить.

«Вознесение Христа», 1710 г

Картина написана голландским художником Арентом де Гелдером и находится в Кембридже. Дискообразный объект светит лучами на Иоанна Крестителя и Иисуса Христа. Де Гелдер был учеником Рембранта и имел доступ к документам и архивам Ватикана. Именно поэтому некоторые исследователи считают, что своей картиной он хотел передать некое тайное знание.

«Мадонна со святым Джованнино», XV в

Над левым плечом мадонны находится некий летающий объект. Чтобы привлечь к нему внимание, художник Доменико Гирландайо изобразил человека с собакой, смотрящих на объект. Человек прикрывает глаза рукой — возможно потому, что объект металлический и блестит на солнце.

Гобелен «Триумф лета», 1538 г

В верхней части гобелена «Триумф лета», который был создан в Брюгге в середине XVI века, изображены три дисковидных объекта. Так как никаких божественных символов, которые изображались бы таким образом, науке неизвестно, доверчивые уфологи склонны считать, что художник изобразил именно НЛО. В настоящее время гобелен хранится в Баварском музее в Германии.

«Чудо снега», 1428–1432 гг

На картине «Чудо снега» художника Мазолино да Паникале изображено событие, происшедшее в Риме в IV веке, когда в жаркий августовский день неожиданно пошел снег. Иисус и Мария, сидящие на облаке, наблюдают за горожанами. Все небо усеяно дисковидными предметами. Исследователи сходятся во мнении, что художник не стал бы изображать облака столь примитивным образом, так как остальные детали на картине прописаны очень тщательно.

«Израиль, уповай на Господа», XVII в

На картине изображен гигантский дискообразный объект над горящей церковью. Полотно находится в доминиканском монастыре в городе Сигишоара что в Трансильвании (Румыния).

Автор картины неизвестен, но надпись на ней сделана на немецком и гласит «Israel, hoffe auf den Herrn» (псалом 113 «Израиль, уповай на Господа»). Библия была переведена на немецкий язык в 1523 году.

Точное время создания также неизвестно, но монастырь, который находился на месте современного, был уничтожен пожаром в XVII веке.

«Прославление таинства евхаристии», 1600 г

Картина кисти художника Бонавентуры Салимбени хранится в монастыре Сан-Лоренцо в Сан-Пьетро (Италия). Иисус Христос и Бог Отец держат в руках земной шар. Но некоторые исследователи, пребывая в бреду, полагают, что картина изображает — не больше не меньше — путешествия во времени! А шар, мол, это пульт управления. Видимо, художник побывал в будущем и увидел первые советские спутники, один из которых он изобразил.

«Распятие Христа», XVII в

Картина хранится в храме Светицховели в Мцхете (Грузия). По бокам от креста находятся летающие объекты, внутри которых можно рассмотреть человеческие лица. Уфологи ликуют: еще одно подтверждение внеземной сущности Иисуса Христа. Сюда же укладывается версия о благой вести: архангел Гавриил на самом деле был специалистом, проводившим Марии медицинские процедуры по вживлению плода-инопланетянина. А про сына Бога он ей наврал, чтоб правдоподобнее было.

Источник: https://www.maximonline.ru/guide/maximir/_article/paintings-ufos/

Что изображено на картине Перова «Чаепитие в Мытищах»: маленькое исследование

Есть вещи, которые вроде как известны всем. Но толком никому.

Картина «Чаепитие в Мытищах» Василия Перова как раз из таких вещей. Название на слуху, и многие даже вспомнят, что на ней изображено.

Картину мусолят на школьных уроках литературы и истории; Перова считают «прогрессивным художником и сатириком, обличающим» и так далее.

Посетили на днях с дочкой Третьяковскую Галерею. «Чаепитие в Мытищах» почему-то привлекло моё внимание. Я вгляделся в детали и был шокирован тем, что увидел!

Что говорят энциклопедии

Возвратясь домой и будучи под впечатлением от своего «открытия», я первым делом полез в интернет, дабы выяснить, что об этой картине пишут.

Почитал описание на десятке сайтов. Сайты-то были разные, но описания повторяются почти дословно. Никто не потрудился взглянуть на картину, все списали у кого-то одного или друг у друга. Почитаем:

Картина «Чаепитие в Мытищах» полна нюансов, мелочей и деталей. На этом полотне ничего случайного нет. Место действия также является оправданным. Мытищинская вода была в те времена признана самой вкусной. Кроме того, чаепитие на этой подмосковной территории было весьма популярным

Могут рассказать о многом ордена, которые видны на шинели солдата, изрядно изношенной. Рубашка мальчика оборвана. Лицо монаха лоснящееся и красное. На заднем плане видна суетливая торопливая фигура, принадлежащая монастырскому послушнику. Также виден раскрытый саквояж гостя, который готов принять дары

Хорошо видны истощенность солдата и сытость монаха, ободранная рубашка и чистота невероятно дорогих сапог, начищенных до зеркального блеска. Важно отметить, что рука, которую протягивает гость за подаянием, направлена в пустоту

Посмотрим своими глазами: персонажи

Поп, пьющий чай

Ну, да, по его наружности можно утверждать, что жизнь он ведёт сытую. Но так ли уж «невероятно дороги его сапоги»?

Смотрите внимательно. Перед ним стакан с бледным жидким чаем. Не чашка, а дешёвый стакан. На краешке стола прямо на скатерти лежит кучкой одна баранка и кусочек хлеба. Одна баранка. На скатерти. Не на тарелке. А внизу на земле открытый полупустой баул. Что-то мне кажется, эту баранку он достал минуту назад из своего дорожного баула.

Ещё по теме  Вам в копилку: 5 закладок о важном, интересном и полезном

А это что за белые кусочки на краю стола? Очень похоже на сахар в тряпице. Его поп тоже достал из баула? Баранка и несколько кусков сахара — «богато накрытый стол»? Это на скатерти с заплатами? Ну-ну

Крест на груди попа. Вы попов видели вживую? И какого размера их кресты? Что-то у этого попа он мелковат — не похоже на «богатого клерикала».

Служанка

А почему она наливает воду в самовар прямо сейчас? Она что – подливает сырую воду? Самовар пуст после предыдущего гостя?
Видимо, так и есть.

У попа с дороги такая сильная жажда, что ему невмочь терпеть, пока самовар снова закипит. Вот и его спутник на заднем плане пьёт стоя. «Жажда не тётка».

Рука солдата не «протянута в пустоту», он просто держит её перед собой. Служанка оберегает его от ожога, да и чтобы не столкнул самовар со стола. Солдат слеп и не видит, что самовар с кипятком в опасной близости!

Теперь постараемся додумать то, что на картине прямо не изображено.

Смотрим дальше: место действия

Место действия – Мытищи. По-видимому, это последняя станция на пути к Москве, где путники могут сменить лошадей и немного передохнуть. Присмотритесь. В правом нижнем углу картины виден полосатый верстовой столб, а на козлах сидит потягивающийся после утомительной дороги кучер. Рассмотрели?

Мытищи расположены к северо-востоку от Москвы. Это дорога на Архангельск, в северные области России. Там расположены знаменитые монастыри, но это суровые и небогатые земли. В отличие, например, от зажиточного юга. Поп со спутником возвращаются из далёкого пути.

«Чаепитие на этой подмосковной территории было весьма популярным» Возможно, так и было. Но здесь-то у нас совсем другая история.

Второе. Главные действующие лица — поп и слепец с мальчиком-поводырём. Уровень «доходов» явно различный, но и тот, и другой живут на подаяние. Нет?

Вспоминаем дальше. Поп в силу своей профессии постоянно сталкивается с нищими, увечными, калечными и страждущими всех мастей. Он служитель церкви, а нищие во все времена тянутся к церквям. Поп только-только присел попить чайку с дороги (кучер ещё с козел не спустился!), а и здесь просители уже тут как тут. Вы бы на его месте что сделали?

Ещё по теме  5 вопросов «почему» со словом «копирайтер»

Солдат, как это ни цинично звучит, является «профессиональным нищим». Вы не задумывались, откуда у него взялся мальчик-поводырь? Давайте сочиним подходящую гипотезу. Крестьянская семья из самых бедных отдала своего ребёнка слепому страннику в надежде, что с ним он не помрёт с голоду. «Уж добрые люди всяко подкормят» Отдала или продала?

Одежда слепца демонстративно ветха, она буквально вопиет о страшной нужде, но ордена он не продал. Для него это не просто награды за подвиги, память о прошлом, но и — профессиональный реквизит, так сказать, рабочий инструмент. А вы думали?

Всё ли мы увидели?

Нет, не всё. Смотрите, слева на заднем плане женщина в платке. Она сидит, к ней склонился кто-то похожий на ещё одного попа. Что художник говорит нам этими персонажами? У меня нет предположений.

Зелень деревьев и высокие папоротники в траве показывают, что время действия — середина лета. А почему из печной трубы справа идёт дым? Тоже неспроста.

Ну и как теперь? Что изображено на картине? Какое сообщение вложил в неё художник Василий Перов?

Что осталось за кадром

Есть сведения, что Перов написал «Чаепитие в Мытищах» в отместку за категорическое неприятие публикой его картины «Крестный ход на Пасху». В ней он изобразил совершенно неправдоподобную историю: священник вместе с паствой прямо во время крестного хода зашли в кабак и упились там так, что едва держались на ногах.

«Чаепитие» Перов якобы наблюдал. Правда, слепого солдата он присочинил для вящего эффекта. А в остальном — ну чистый «документалист».

Уж очень не любил попов художник Василий Перов.

Источник: https://boralovtext.ru/issledovanie-o-kartine-perova/

Что изображено на знаменитых картинах Репина

Илья Репин — гениальный портретист, мастер бытовых зарисовок и создатель скандальных исторических полотен. Предлагаем всмотреться в семь картин Репина, на которых жизнь предстает во всем ее многообразии.

«Бурлаки на Волге» (1870-1873)

О работе молодого Репина «Бурлаки на Волге» упоенно писали газетчики. Одни зрители ругали ее, другие — восторгались. Картина вызвала живейший интерес у Достоевского и Перова, а между тем некоторые называли ее «величайшей профанацией искусства». По ярко-желтому берегу безмятежной Волги бредут те, кто не понаслышке знает, что значит «тянуть лямку». Каждый — со своим характером, своей историей, додумать, «дорисовать» которую может зритель.

На лицах грязных и оборванных бурлаков, впряженных в кожаные лямки, нет отчаяния или горя. Это работа, которую они делают по привычке из сезона в сезон, — чрезвычайно тяжелая, изнурительная, забирающая здоровье, а, порой, и жизнь, но позволяющая прокормить семью.

«Проводы новобранца» (1879)

Тема расставания длиной почти в жизнь становится главной на репинской картине «Проводы новобранца». В духе передвижничества художник создал многофигурную композицию, на которой жизнь показана в мельчайших деталях.

Мастерский световой акцент на главных персонажах, созданный Репиным, формирует центр картины и ее идею — разлука неизбежна, она будет долгой, печальной и только Богу известно, суждена ли встреча.

«Отказ от исповеди перед казнью» (1879-1885)

Шесть лет потратил Репин, чтобы композиционно выстроить сюжет: практически сливающаяся с темнотой спина священника и освещенное лучами восходящего солнца лицо сидящего на постели революционера. О чем эта история? О непримиримости двух мировоззрений: одного — прогрессивного, гонимого, почти растоптанного, но не сломленного, другого — заскорузлого, костного, меркантильного, утратившего истинность?

Обладатель первого развернут к зрителю лицом, обладатель второго — стоит спиной. А, может, это рассказ о человеке, не готовом признать свою вину, не желающем раскаяться, несмотря на нарушенную христианскую мораль «не убий»? А, может Впрочем, у каждого может быть свой ответ и своя трактовка этого непридуманного сюжета, в основу которого художник положил собирательный образ русских революционеров.

«Крестный ход в Курской губернии» (1880-1883)

Запрет на экспонирование картины «Отказ от исповеди» лишь подстегнул живописца — он самозабвенно принимается за воплощение своих замыслов и пишет «Крестный ход в Курской губернии». Сам Репин был уверен, что картина произведет фурор, и он оказался прав. Реакционная пресса критиковал автора «за несправедливое обличение и ядовитый сарказм», а вся передовая общественность восторгалась работой, превознося Репина до небес. «Следить» за «Крестным ходом» можно, пожалуй, бесконечно.

Разношерстная толпа «разваливается» на отдельных персонажей: несущие тяжелый фонарь певчие, склоненные над пустым киотом из-под чудотворной иконы женщины, высокомерная барыня, несущая сам чудотворный образ.

Но прежде всего в глаза бросается калека-горбун, который пытается приблизиться к фонарю. Однако для «таких» доступ закрыт — торжественная процессия надежно охраняется конными полицейскими и сотскими.

Кто же из персонажей картины истинно верует: тот, кто идет во главе Крестного хода, или те, кого секут плетьми и стараются выкинуть на обочину?

«Вечорницi» (1881)

Еще один момент народной жизни Репин «подсмотрел» в крестьянской избе, где собрались разгоряченные всеобщим празднованием люди. На переднем плане — девушка и парень увлеченно отплясывают гопак. Веселый, удалой танец, счастливые лица людей

Эта работа была написана Репиным под влиянием французских импрессионистов, которые старались показать секундное мгновение того, что происходит здесь и сейчас. Каждая фигура прописана четко и динамично, вероятно, именно поэтому картина так напоминает стоп-кадр хорошего фильма.

«Запорожцы пишут письмо турецкому султану» (1880-1891)

Репин был очень дружен с Мамонтовым. На одном из вечеров было зачитано письмо XVII века, написанное запорожскими казаками турецкому султану Мохаммеду IV. Султан предлагал всей Сечи стать турецкими подданными. Гости Мамонтова, слушавшие ответ казаков, буквально покатывались со смеху — так ловко издевательства смешивались в нем с озорством. Тут же Репин набросал карандашный эскиз, который позже стал основой для знаменитой картины.

Совсем скоро художник отправится на Украину, чтобы зарисовать старинные укрепления, сохранившиеся на месте Запорожской Сечи, и найти прототипы среди реальных казаков для будущих персонажей.

Больше 12 лет потребовалось мастеру, чтобы в мельчайших подробностях изучить и отразить разухабистую и удалую жизнь тех, кто, невзирая ни на что, оставался свободным.

Не случайно здесь нет главных или второстепенных персонажей, ведь равенство и братство, наряду со свободой, столь значимы для пишущих письмо турецкому султану людей.

«Торжественное заседание Государственного Совета 7 мая 1901 года» (1903)

Эта картина стала одной из работ на так называемую казенную тему. Репин лично присутствовал на юбилейном торжественном заседании и даже получил разрешение на то, чтобы члены совета позировали ему в свободное от заседаний время, и именно в той позе, которой требовала композиция картины. Ей предрекали провал, но Репин мастерски сумел реализовать навязанное ему задание — заказ последовал от императора, и вряд ли художник мог от него отказаться.

Члены совета оценили «момент из своей жизни» благосклонно, друзья же живописца искренне недоумевали: куда подевался «их» Репин? Репин никуда не делся! Уже через несколько месяцев художник представил публике отдельные портреты позировавших ему чиновников: на зрителя смотрели напыщенные, надменные, порой, не блещущие умом «герои» торжественного заседания. Мастер остался верен себе — улавливать в жизни самое главное и стараться не грешить против истины.

Источник: https://weekend.rambler.ru/places/40499315-chto-izobrazheno-na-znamenityh-kartinah-repina/

Описание картины «Иван-Царевич на Сером Волке» В. Васнецова

Иван Царевич с Еленой Прекрасной спасаются от погони, мчась сквозь дремучие лесные заросли верхом на Сером Волке. С тревогой всматривается Царевич в окружающий лес — если беглецов настигнут, их ждет неминуемая разлука. При этом он уверенно и крепко держит Елену, которая практически покорилась судьбе и испуганно прижимается к своему спасителю, стараясь не смотреть по сторонам

ЭТО ИНТЕРЕСНО:  Мощи что это такое

Краткая история создания

Полотно Васнецова «Иван-царевич на Сером Волке» по праву считается одним из самых сказочных произведений русского изобразительного искусства. Эта картина была написана художником в 1889 году в период, когда он трудился над росписью Владимирского собора в Киеве. Ради создания картины Васнецов на некоторое время прервал работы в соборе. За основу сюжета он взял популярную народную сказку «Иван Царевич и Серый Волк».

Главные герои

Поза Ивана Царевича и выражение его лица говорят о том, что он насторожен, но в то же время полон решительности и отваги. Сильный и могучий, не раз одержавший победу в противостоянии с врагом, Царевич внушает уважение и доверие. Он аккуратно придерживает за руку уставшую от долгой и опасной дороги Елену Прекрасную.

Особый интерес у зрителя вызывает фигура Серого Волка. У этого сказочного хищника человеческие глаза, из чего следует, что художник изобразил на картине оборотня или волколака (древнеславянский вариант названия). Взгляд Волка обращен прямо на зрителя. Вместе с тем в его облике отсутствует что-либо кровожадное и дикое.

Напротив, образ сказочного волка полон отваги и преданности. Серый Волк изображен Васнецовым невероятно могучим. Передвигаясь большими прыжками, он несет Царевича и Елену через дремучую лесную чащу, где никогда не ступала нога человека.

Создается ощущение, что вся группа героев словно парит над болотом, окруженным зловещими лесными зарослями.

Волк зорко вглядывается в пространство впереди, выбирая дорогу. Раскрытая пасть и высунутый язык говорят о том, что он с трудом преодолевает усталость и держится из последних сил. Широко раскинуты волчьи лапы, стелется по ветру длинный пушистый хвост.

Сказочность сюжета подчеркивается одеждой главных персонажей. На Иване Царевиче дорогой кафтан из парчи, подпоясанный зеленым кушаком. За его спиной виднеется меч. Украшенный золотом кафтан Царевича прекрасно гармонирует с изысканным одеянием Елены, сшитым из голубого шелка. Сочетание золотого и голубого цветов в славянской мифологии свидетельствует о связи с миром магии и чудесами.

Елена Прекрасная олицетворяет русскую красавицу с длинными русыми волосами. Её шею украшают жемчужные бусы, а на ногах надеты сафьяновые сапожки. На голове у царевны изысканный головной убор, оформленный драгоценными камнями.

Художник мастерски передает живописными средствами материал одежды главных героев. Рассматривая полотно, зритель чувствует тяжесть парчи, бархата, сафьяна и золотого шитья.

Сама Елена печальна, однако её убранство выглядит нарядным и радостным. Этот необыкновенно женственный образ был написан Васнецовым с его племянницы – Натальи Анатольевны Мамонтовой. Главный акцент, как и в случае с «Аленушкой», Васнецов сделал не на внешних чертах, а на душевном настрое и позе героини.

Серый Волк также не изображен в буквальном смысле серым. Его золотисто-коричневая шерсть словно повторяет цвет одежды Царевича, которому он так верно служит.

Анализ композиции

Вертикальная композиция картины вызывает у зрителя ощущение надвигающейся опасности и тревожной неизвестности. Главные герои как будто заключены в красный четырехугольник: красная шапка Царевича, красные ножны, красные сапоги и красный язык волка. Именно красный цвет помогает создать ощущение приближающейся опасности.

Окружающий пейзаж подчеркивает тревожное настроение беглецов. Действие картины происходит на фоне утренней зари, на переднем плане угрожающе темнеет болото, за густыми ветвями деревьев-великанов едва проглядывает серо-лиловое небо. Дремучий лес выглядит зловеще. Огромные деревья, поросшие мхом, встают непроходимой стеной, однако перед добрыми персонажами сказки они словно расступаются, помогая уйти от погони.

Оживление в мрачный пейзаж вносят цветущая яблоня и болотные кувшинки. Появление яблони вблизи лесного болота кажется необычным и настораживающим. Однако эта деталь имеет большое значение. Она переносит зрителя к самому началу сказочного повествования. Ведь именно с яблони, приносившей золотые яблоки, началась вся история.

Цветущая яблонька символизирует также начало новой жизни и любви, она вселяет в зрителя надежду, что все завершится благополучно. Серебристо-белые цветы дерева перекликаются с нарядом Елены и связывают в единое целое всю цветовую гамму картины. Полотно наполнено таинственным мерцанием, вызывающим ощущение прикосновения к чуду.

Васнецов в очередной раз доказал, что является непревзойденным мастером исторической и фольклорной живописи. Описать происходящее на картине можно строчкой из русской народной сказки: «Помчался серый волк с Иваном Царевичем, с Еленой Прекрасной обратной дорогой – синие леса мимо глаз пропускает, реки, озера хвостом заметает».

Художник расположил персонажи по диагонали, благодаря чему создается ощущение движения.

Картина выполнена в контрастных тонах, подчеркивающих извечную борьбу добра со злом. Темные краски, в которых изображен лес, символизируют злые силы, тревогу и опасность. Яркие цвета, доминирующие в облике главных персонажей, подчеркивают их принадлежность ко всему доброму и светлому.

Сказочное живописное полотно о Елене Прекрасной и Царевиче погружает зрителя в мир русского фольклора, помогая поверить в торжество добра над злом. В настоящее время картина находится в коллекции Государственной Третьяковской галереи.

Источник: https://5sec.info/kartiny/kartina-vasnecova-ivan-carevich-na-serom-volke/

Глазу негде отдохнуть: 4 способа смотреть на картины и понимать их

Существует множество способов смотреть на картины. Для этой главы мы выбрали четыре произведения живописи, относящихся к разным периодам и стилям, чтобы рассмотреть их с нескольких несхожих точек зрения.

Для чего служат картины?

Зададимся вопросом: для чего служат картины? Около пятнадцати тысяч лет назад на потолке пещеры, находящейся на территории современной Испании, было создано очень убедительное изображение бизона.

Попробуем представить себе, какую функцию выполняло это изображение, находящееся в темном углу недалеко от входа в пещеру? Предполагают, что его цель — магическая, и что оно было призвано придать своему создателю (или его племени) дополнительную силу, позволяющую поймать и убить изображенное животное.

Тот же принцип действует в религии вуду: в куклу, похожую на определенного человека, втыкают булавку, чтобы принести этому человеку вред. Должно быть, пещерный живописец верил, что рисунок поможет ему на охоте.

Вторая картина совсем не похожа на первую — это мозаика из раннехристианской церкви. Легко прочитывается ее сюжет — воскрешение Лазаря. Лазарь был мертв уже четыре дня, но Христос потребовал открыть вход в пещеру, где его похоронили, обратил взор к небу и произнес:

Отче! Я и знал, что Ты всегда услышишь Меня; но сказал сие для народа, здесь стоящего, чтобы поверили, что Ты послал Меня.

Сказав это, Он воззвал громким голосом: Лазарь! Иди вон.

И вышел умерший, обвитый по рукам и ногам погребальными пеленами

Ин. 11: 41–44

Мозаика с восхитительной наглядностью иллюстрирует эту историю; мы видим, как Лазарь, «обвитый по рукам и ногам погребальными пеленами», выходит из пещеры. Мы видим, как облаченный в пурпурное одеяние Христос призывает Лазаря повелительным жестом.

Рядом с ним один из «здесь стоящих», которых должно убедить чудо, потрясенно отводит руку. Композиция построена просто и ясно: на золотом фоне изображены плоские, четко очерченные фигуры.

Эта сцена не столь живая, как наскальный рисунок, но те, кто знаком с изображенным сюжетом, легко его распознают.

Какой цели служила эта мозаика, будучи частью украшения церкви? В VI веке, когда она была создана, очень немногие умели читать. А церковь стремилась к тому, чтобы учение, изложенное в Евангелии, распространилось как можно шире. Папа Григорий Великий объяснял: «Иконы для неграмотных суть то же, что Священное Писание для грамотных». Иначе говоря, люди могли лучше понять Библию, глядя на такие доходчивые иллюстрации к ней, как эта мозаика.

На соседней странице вы видите картину кисти Бронзино, живописца-интеллектуала XVI века. Он изобразил Венеру, языческую богиню любви, которую отнюдь не по-сыновьи обнимает крылатый юноша — ее сын Купидон. Справа от центральной группы мы видим жизнерадостного мальчика: по мнению одного из специалистов, он олицетворяет Удовольствие.

За ним — загадочная девушка в зеленом; мы с удивлением замечаем под ее платьем тело змеи. Судя по всему, она олицетворяет Лживость — дурное качество, злонамеренность под маской искренности, — которая порой сопутствует любви. Слева от центральной группы изображена злобная старуха, рвущая на себе волосы.

Это Ревность — союз зависти и отчаяния, без которого редко обходится любовь.

В верхней части картины изображены две фигуры, приподнимающие завесу, которая скрывала сцену от посторонних глаз. Крылатый мужчина — это отец-Время; за его плечами — символ времени, песочные часы. Время обнаруживает превратности, сопутствующие чувственной любви. Женщина слева от Времени — по всей вероятности, Правда, открывающая взрывную смесь терзаний и наслаждений, рождаемую в нас дарами Венеры.

Итак, эта картина представляет собой нравоучение: ревность и лживость — не менее частые спутники любви, чем удовольствие. Но произведение Бронзино лишено той простоты, с какой показана история воскрешения Лазаря: его мораль воплощена в замысловатой аллегории с использованием персонификаций. Перед живописцем не стояла задача в доступной форме изложить историю для неграмотных — напротив, он стремился заинтриговать и даже раздразнить просвещенную аудиторию.

Картина была написана для великого герцога Тосканского, который преподнес ее королю Франции Франциску I. Обращенная к узкому кругу образованных людей, она создавалась одновременно как назидание и развлечение.

И наконец, взгляните еще на одну картину (вверху) — она написана сравнительно недавно американским живописцем Джексоном Поллоком. В ней вы не найдете внешних реалий: нет ни бизона, которого нужно поймать, ни религиозного сюжета, нуждающегося в пересказе, ни сложной аллегории, требующей разгадки.

Напротив, мы словно видим, как живописец швырял краску на огромный холст, чтобы создать волнующую и живую абстрактную композицию.

В чем цель такой картины? Она призвана выразить творческую активность и физическую энергию художника, рассказать зрителю о действиях его тела и мысли во время создания произведения.

Культурный контекст

Второй способ анализировать картины — задать себе вопрос о том, что они могут поведать о культуре своей эпохи. Так, наскальная живопись может рассказать нам кое-что — пусть и не много — о первобытном человеке, который перемещался с места на место, охотясь на диких животных, и иногда находил убежище в пещерах, но не строил постоянных поселений и не занимался земледелием.

Христианская мозаика VI века свидетельствует о патерналистской культуре, в которой образованная элита просвещала необразованные массы. Она говорит о том, что на заре христианства было важно представить его догматы в доходчивой форме, чтобы простые люди могли постичь смысл этой еще сравнительно молодой религии.

Аллегория Бронзино красноречивее любых слов повествует о высокоинтеллектуальном и куртуазном — или даже пресыщенном — обществе: его представителям нравились загадки и головоломки, искусство было для них изощренной игрой.

Картина ХХ века рассказывает о людях эпохи, которая высоко ценит личное видение и уникальные действия художника, отвергая традиционные ценности привилегированных классов в пользу свободы самовыражения.

Сходство

Третий способ рассматривать картины — попытаться понять, насколько они правдоподобны. Достижение сходства с природой было важной и очень сложной задачей искусства в классической древности (VI–IV века до н. э.) и в Западной Европе со времен Ренессанса (с XV века) до начала ХХ столетия.

Многие поколения художников стремились сделать картины похожими на окружающий мир. Однако это не всегда было для них главным. Следует с осторожностью применять к произведениям искусства наши нынешние стандарты точности, поскольку вполне возможно, что их авторы руководствовались совсем иными целями.

Средневековый мозаичист, стремившийся рассказать библейскую историю максимально убедительно, изобразил фигуры не так естественно, как, например, Бронзино, но сделал своих персонажей легкоузнаваемыми и разместил в центре композиции Христа, подчеркнув значимость не только его фигуры, но и его жеста.

Более всего этот мастер стремился к ясности; он остерегался даже намека на неоднозначность, а сложность и сходство с тем, что мы считаем естественными человеческими чертами, показались бы ему лишь отвлекающими деталями.

Подобным образом и работы Поллока, автора картины Осенний ритм, столь рьяно стремившегося к самовыражению при помощи краски, нельзя судить с точки зрения сходства с природой, которое нисколько его не волновало. Он хотел передать характер своих чувств и не ставил перед собой цель задокументировать то, что его окружало.

Итак, хотя нам часто кажется важным, насколько похожа та или иная картина на реальность, нам стоит быть осторожнее и, прежде чем задаваться этим вопросом, удостовериться в его уместности.

Композиция

Четвертый способ восприятия картин заключается в том, чтобы рассматривать их с точки зрения композиции, то есть того схематического рисунка, который составляют в них формы и цвета.

Например, внимательно присмотревшись к Аллегории Бронзино, мы увидим, что основная группа — Венера и Купидон — приблизительно напоминает своими очертаниями букву L, повторяющую угол картинной рамы.

Кроме того, мы можем заметить, что живописец уравновесил эту L другой группой, по форме напоминающей ту же букву, но перевернутую: ее образуют фигура мальчика-Удовольствия, а также голова и вытянутая рука отца-Времени. Вместе две буквы L образуют прямоугольник, который надежно закрепляет изображение внутри рамы, тем самым придавая устойчивость очень сложной в целом композиции.

Композиция — это схематический рисунок, который составляют в картине формы и цвета

Теперь рассмотрим другие особенности композиции. Заметьте, что все пространство в картине Бронзино заполнено предметами и фигурами; глазу негде отдохнуть. Эта беспокойная активность форм связана с самим сюжетом произведения, который можно обозначить как смятение и неразрешимость. Любовь, Удовольствие, Ревность и Лживость переплелись в изощренный формальный и интеллектуальный узел.

Художник обвел фигуры жестким контуром, а лицам придал мягкую округлость. Персонажи картины будто сделаны из мрамора. Ощущение холодной жесткости подчеркнуто преобладающими оттенками — бледно-голубым и нежно-белым, с редкими вкраплениями зеленого или темно-синего.

(Едва ли не единственным теплым оттенком является здесь красно-розовый цвет подушки, на которую оперся коленями Купидон.) Все эти особенности совершенно не соответствуют тому, что мы обычно связываем со сферой чувственности.

Таким образом, жесты любви и страсти, обычно нежные или горячие, здесь переданы как расчетливые и хладнокровные.

Формальный анализ композиции произведения помогает нам лучше понять его смысл, а также оценить те приемы, при помощи которых художник достиг желаемого эффекта.

Разговор о картинах

В двенадцати главах этой книги мы рассмотрим картины, созданные в разное время и в разных странах.

Сначала мы будем анализировать их с точки зрения сюжета, но постепенно начнем уделять больше внимания форме и композиции, особенности которых не так просто уловить с первого взгляда.

По пути нам встретятся понятия, порой кажущиеся неожиданными, так как их невозможно соотнести ни с содержанием, ни с формой, но вместе с тем способные помочь понять художественное произведение, а значит, и получить от него удовольствие.

Мы не будем изучать связи между искусством и обществом, в котором оно создается, и выстраивать стили и направления в хронологическом порядке. Существует множество прекрасных книг по истории искусства, обозревающих произведения в историческом контексте и прослеживающих эволюцию стилей во времени.

Для нас же самое главное — не просто смотреть на картины, но и говорить о них, ведь, как бы странно это ни звучало, простого созерцания недостаточно. Мы уверены, что единственный способ перейти от пассивного наблюдения к активному, проницательному видению — это поиск слов, необходимых для описания и анализа произведений искусства.

Источник: https://theoryandpractice.ru/posts/16669-glazu-negde-otdokhnut-4-sposoba-smotret-na-kartiny-i-ponimat-ikh

Сочинение по картине Попова Первый снег 7 класс

Ищите синонимы на sinonim.org, чтобы сочинение не совпадало с тем, что в интернете. Нажмите 2 раза на любое слово в тексте.

Используйте наши сочинения, чтобы найти идеи для своего сочинения.

Сочинение для 7 класса

Однажды я проснулся и, как обычно, подошел к окну. И вместо привычного серого пейзажа увидел нечто невероятное. Наконец-то выпал первый снег! Он преобразил до неузнаваемости все вокруг: мостовые, тротуары, крыши домов. Казалось, что весь город укрыт гигантским белоснежным покрывалом или праздничной скатертью. Снег опускался на землю абсолютно бесшумно, мягко и неторопливо. Крупные хлопья заманчиво искрились и переливались на солнце.

Так и хотелось, не медля ни минуты, вскочить с места и выбежать на улицу, поближе к этому чуду. К сожалению, это было невозможно. Поэтому я поступил иначе: открыл окно и протянул ладонь навстречу снегу.

Первые снежинки доверчиво опускались на мою руку и тут же превращались в сверкающие капельки воды. Атмосферу радости и ожидания какого-то праздника создавали и восторженные крики детворы из дома по соседству.

Я видел, как они плясали на свежевыпавшем снегу, не пряча своего бурного ликования.

Я был не одинок в своем любовании чудесной зимней картиной. Вместе со мной радовались и другие люди: забавный старичок на балконе, женщина, живущая в доме, который находится чуть дальше по нашей улице. А вот из подъезда выскочила маленькая собачка.

Увидела снег и замерла в растерянности, не понимая, что ей делать дальше. Ее коротенькие лапки полностью погрузились в снежное одеяло. Мужчина в телефонной будке тоже на минутку отвлекся от своего разговора и любуется великолепной картиной.

Мое сердце переполнено восторгом, ощущением новизны и свежести и предчувствием небывалых зимних чудес!

Сочинение-описание картины Попова Первый снег

Перед моими глазами находится замечательная картина известного живописца Попова. Полотно названо очень верно и красноречиво – «Первый снег». Это творение будит во мне множество мыслей и эмоций. Картина потрясающе правдоподобна! Смотришь на нее и кажется, что выглядываешь из окна на настоящую улицу.

В природе еще преобладают осенние серые и коричневые краски. Сразу понятно, что зима только-только началась и не успела еще развернуться в полную силу. Небо тяжелое, словно налитое свинцом. Кажется, что весь снег, который пока не успел выпасть, тянет облака к земле.

Везде, куда ни бросишь взгляд, снег! Если приглядеться повнимательнее, то становится заметно, что он не только белый. В нем есть и голубые оттенки, и даже желтоватые тона. Вероятно, снегопад шел всю ночь, покуда люди спали, не подозревая о творящемся вокруг волшебстве.

И сейчас последние снежинки все еще плавно кружатся перед окном, гонимые холодным и колючим зимним ветром. Они напоминают мне крохотных парашютистов, опускающихся на землю.

Источник: https://uchim.org/sochineniya/po-kartine-popova-pervyj-sneg-7-klass

Понравилась статья? Поделиться с друзьями:
Молитослов
Как избавиться от токсикоза

Закрыть