Как называется представление в театре

Русский театр 17 века: история рождения первого театра

как называется представление в театре

К 17-му веку закончился один из интереснейших подготовительных периодов к возникновению русского театра – игрищный этап, который берёт начало ещё в родовом обществе. Наступило столетие удивительных событий в театральной истории Руси, ведь в 17 веке состоялось рождение первого русского профессионального театра.

История театра в 17 веке в России

Изначально развитие театрального искусства в России происходило двумя параллельными путями:

  • Первый путь был стихийный, народный,
  • а второй – церковный.

Народный театр: «глумцы» и церковь

Игрищами называют представления народных актеров – скоморохов. Скоморохи, принимавшие участие в народных гуляньях и празднествах давали балаганные представления, которые носили грубый, неприличный характер.

Скоморошьи представления не могли перерасти в профессиональный театр по одной простой причине: им не дали это сделать власти, подначиваемые церковью.

Причиной такой неприязни была близость артистов к простому народу, их открытое высмеивание духовенства, власть имущих и богачей. Сатиру и глум (насмешку) церковь простить им не могла. Таких артистов именуют «глумцами» и объявляют служителями дьявола. И пришел бы скоморохам конец, если бы власти всегда были с церковью заодно.

 Элементы театра, возникшие благодаря  народным представлениям:

  •  Устные драмы. Первые устные драмы, создаваемые в 17 веке, сочинял народ, а скоморохи исполняли

Например, такими были кукольные представления о похождениях весёлого и ловкого Ваньки-Рататуя (позже героя назвали Петрушка), который никого и ничего не боялся и всегда выходил сухим из воды.

В 1613 году в штат придворной Потешной палаты приглашены и скоморохи, но их представления носили больше цирковой характер, а сами они оказались на правах придворных шутов. Потешная палата считается первым специальным помещением для театральных представлений в России.

Собирая вокруг себя зрителей, народные артисты общались с публикой, которая делилась на зрителей разного уровня активности. В результате стала возникать потребность в сооружении сценической площадки, что впервые воплотилось в народном театре кукол.

 Церковный театр: обрядность и обилие мистики

Христианская церковь, стремясь упрочить свои позиции, пыталась привлечь внимание обрядовыми представлениями, которые были насыщены религиозными и мистическими мотивами. Церковные представления на Руси появились в виде западных мистерий. Получив своих благодарных зрителей, чья любовь к зрелищам была приукрашена духовностью преподносимого действа, церковь надолго оттеснила на задний план все прочие сценические представления. Представления зачастую были приурочены к церковным праздникам.

Элементы театрального действия стали появляться в обрядовых действиях тогда, когда они растеряли свою магическую сущность и стали просто воспроизведением события или имитацией действия, повествованием о том, как что-то когда-то происходило. Весь процесс сопровождался диалогами, ряженьем и драматическим действием. Невзирая на тот, что театрально-зрелищные формы активно применялись, русская церковь не стремилась создать собственный театр.

Элементы театра, обязанные своим происхождением церкви

Первые художественные литературные драмы создавались на основе возникших в более ранний период литургических драм. Первыми сочинителями пьес были святитель Дмитрий Ростовский и просветитель Симеон Полоцкий.

  • Школьный театр – религия, приправленная сатирой

Естественным следствием диктата церкви в театральных формах явилось то, что театры стали возникать при духовных учебных заведениях. Такие театры называли школьными.

  • 1672 год. Киево-Могилянская академия

Состоялся первый спектакль, посвященный небесному покровителю царя Алексея Михайловича.

  • 1679 год. Драматург Симеон Полоцкий написал две пьесы специально для школьного театра при духовной академии в Москве.
  • 1687 год. В Москве учреждена Славяно-греко-латинская академия, школьный театр которой прославился своими представлениями, посвященным не только религиозным сюжетам, но и русским батальным победам.

Что такое интермедия?

Для школьных театров характерным было то, что в сюжет религиозных представлений вплетались интермедии. Это были короткие сатирические сценки, косвенно относящиеся к общему представлению.

Зачастую это была сатира, касающаяся привилегированных членов общества. Таким образом, творчество школьных театров перекликалось с народными представлениями, что не могло оставить церковь равнодушной.

Школьные театры стали подвергаться резкой критике и прекратили своё существование к концу 18 века.

Школьные театры внесли свою посильную лепту в формирование русского театра

  • Комедийный жанр. Именно интермедии стали прообразом комедийного жанра в русской драматургии.
  • Классицизм. Игра актеров в школьном театре была подчинена принципам классицизма: единство времени, действия и места. В пьесе прослеживалась одна сюжетная линия, события происходили в течение суток и в одном месте.
  • Символы. В костюмах героев использовались символы и иносказания: положительные персонажи — в белом, отрицательные — в черном и так далее.

Профессиональный русский театр 17 века: предпосылки и рождение

Рождению первого русского театра предшествовали несколько событий. Во второй половине 17 века в России стала массово поступать и переводится западная литература, что содействовало росту образования и культуры.

Общественная мысль сориентировалась в двух диаметрально противоположных направлениях:

  • консервативное, провозглашающее приоритет национальной культуры
  •  западническое.

Начальник посольского приказа А.С. Матвеев был «западником». Он завёл собственный домашний театр. Будучи другом царя Алексея Михайловича, Матвеев уговорил последнего выписать из-за рубежа первых актеров театра. А автором первой пьесы русского театра стал пастор лютеранской церкви Немецкой слободы Иоганн Готфрид Грегори. Сочиненная им пьеса «Артаксерксово действо» повествовала о библейской Эсфири.

Премьера спектакля состоялась 17 октября 1672 года во дворце царя, находящемся в селе Преображенском. Царю «потеха» понравилась.

 Именно эта дата признана днем рождения русского театра. Идея прижилась. Спектакли стали регулярными и иностранной труппы стало не хватать. Тогда на обучение актерскому мастерству к Грегори были направлены русские «отроки», которых привлекали помимо их воли. Представления были пышными, с музыкой и танцами.

Петр I и развитие профессионального искусства

Со смертью царя Алексея Михайловича спектакли прекратились. Царь Федор Алексеевич не проявлял интереса к театру, чего нельзя сказать о Петре I, который, по свидетельству современников, считал, что «зрелища полезны». Про ранний период царствования Петра I известно, что он отдавал предпочтение светскому театру, а не школьному. Очень любил кукольные представления труппы под руководством венгра Яна Сплавского.

Театр при Петре I получил прочный фундамент. Царь-реформатор использовал театр в качестве политической силы, которая содействовала развитию государственности России.

Впрочем, основные театральные преобразования Петра I касаются уже 18 века.

А история первого профессионального русского театра только начинается

Вам понравилось? Не скрывайте от мира свою радость — поделитесь

Источник: http://velikayakultura.ru/russkiy-teatr/russkiy-teatr-17-veka-istoriya-teatralnyie-formyi-rozhdenie-pervogo-teatra

Какие бывают театры

как называется представление в театре

Театр не стоит на месте, он развивается, появляются новые жанры, иногда за ними бывает сложно уследить, а порой начисто забываешь о существовании старых классических версий.

Чтобы вы не путались в разнообразии театров, мы приводим общую классификацию.

Авторский театр

Авторский театр подразумевает под собой принадлежность какому-то одному художественному руковдителю, чьи идеи он и транслирует публике. К ним можно отнести Гоголь-центр, Театр Романа Виктюка, Концептуальный театр Кирилла Ганина и другие.

Драматический театр

В основе драматического спектакля лежит литературное произведение. Драма не только подразумевает выражение мыслей и эмоций посредством слов и мимики, в ней также могут быть задействованы и песни, и танцы.

Театр комедии

Название говорит само за себя. В таких театрах львиная доля репертуара занята именно комедиями, как по классическим литературным произведениям, так и по современным пьесам.

Кукольный театр

Вопреки распространённому мнению, кукольный театр ставит представления не только для детей. Зачастую у них есть спектакли и для взрослых. На сцене нет актёров, но есть куклы и те, кто ими управляют. А ещё есть смешанные представления, где персонажи, которых играют люди, взаимодействуют с куклами.

Ледовые шоу

В ледовом шоу принимают участие фигуристы. Обычно, сюжет известного произведения откатывается под музыку. В таких мероприятиях используют много спецэффектов. Самые популярные шоу в России ставит компания Ильи Авербуха.

Музыкальный театр

Музыкальные театры предлагают зрителям спектакли, основой которых являются пение и танцы. Здесь обычно показывают мюзиклы и оперетты. Такие представления отличаются яркой и запоминающейся подачей, призванной развлекать.

Уличный театр

Уличный театр на то и уличный, что действие его происходит на открытом воздухе. Главный момент в таких представлениях — импровизация. Такие представления часто подвергаются вмешательству зрителей, потому что между ними и актёрами нет чёткой границы. Из-за этого представления уличного театра часто носят экспериментальный характер.

Буффонада

Спектакли в театрах Буфф основаны на гротеске, резком преувеличении черт характера, каких-то действий или явлений. Всё это приводит к сатирическому эффекту. Своими корнями буффонада уходит в итальянские площадные комедии дель арте.

Национальный театр

Национальные театры подразумевают под собой стили и решения, которые можно увидеть только в одной стране. Широкого мирового распространения такие представления не получили. К таким театрам можно смело отнести японские Ноо и Кабуки, малазийский Мак йонг, тайландский театр масок Кхон и другие.

Театр оперы и балета

В театрах оперы и балета идут только представления этих жанров и концерты классической музыки. Архитектура таких театров специально на них и рассчитана. Самыми известными в России являются Большой театр в Москве и Мариинский театр в Петербурге.

Театр юного зрителя

Театр юного зрителя своё название носит не просто так, его аудиторией действительно являются дети, подростки и молодые люди. Репертуар складывается, исходя из возраста аудитории. Хотя некоторые театры позволяют себе порой ставить спектакли для взрослых.

Театр теней

Для постановок в театре теней используют большой полупрозрачный экран и марионеток. Зародился этот жанр в Китае, но быстро распросттранился по миру.  

Иммерсивный театр

Иммерсивный театр — совсем недавно появившийся жанр. Он основывается на полном погружении зрителя в мир постановки. Единственное правило — молчать и не снимать маску. Увидеть такие спектакли можно не везде. Пока они проходят в Нью-Йорке, Москве и Санкт-Петербурге.

Театр одного актёра

Вполне говорящее название — в таких постановках действиетльно участвует только один человек. Иногда спектакль проходит, как монолог одного героя, а иногда актёру приходится перевоплощаться в разных персонажей.

Театр сатиры

Сатирические пьесы, высмеивающие общественные и личные пороки ставят в театрах сатиры. Так как в литературе это довольно-таки часто встречающийся жанр, то недостатка в пьесах у таких театров нет.

Подводный театр

В подводном театре сочетаются подводное плавание ибалет. Идея такого вида искусства зародилась в России. Длительност ьспектаклей — всего 40 минут. Актёры задерживают дыхание на 3-4 минуты, а всплывают за воздухом в тех частях бассейна, которые не видны зрителям.

Источник: https://biletsofit.ru/blog/kakie-byvayut-teatry

История театра — Александринский театр

как называется представление в театре

Указом императрицы Елизаветы Петровны в Санкт-Петербурге основан русский для представления трагедий и комедий театр, от которого ведет историю труппа Александринского театра. Директором театра был назначен драматург Александр Петрович Сумароков.

Труппу возглавил актер Фёдор Григорьевич Волков. Театр стал первым государственным публичным театром в России и начал свои регулярные представления в бывшем Головкинском доме на Васильевском острове.

Впоследствии здание было перестроено для Академии художеств.

ЭТО ИНТЕРЕСНО:  Молитва когда ребенок не спит

1759 год

Высочайшим распоряжением по придворному ведомству театр определен в ведомство Придворной конторы.

1763 год

После смерти Ф.Г. Волкова труппу возглавляет знаменитый русский актер Иван Афанасьевич Дмитревский.

1766 год

Труппа театра вошла в состав учрежденной императорской театральной дирекции.

1783 год

Русская драматическая труппа начинает свои выступления в здании вновь построенного Большого каменного театра в Санкт-Петербурге, впоследствии перестроенного для Санкт-Петербургской консерватории.

1831 год

Труппой театра впервые полностью исполнена комедия А.C. Грибоедова «Горе от ума». Роль Чацкого сыграл В.А. Каратыгин.

31 авг 1832 года

Санкт-петербургская русская драматическая труппа начинает свои выступления в новом здании в самом центре Санкт-Петербурга, созданном по проекту великого архитектора К.И. Росси. В честь супруги императора Николая Первого Александры Фёдоровны здание получает название — Александринский театр. Здание Александринского театра — шедевр мировой театральной архитектуры, охраняется ЮНЕСКО.

1836 год

На сцене Александринского театра состоялась премьера «Ревизора» Н.В. Гоголя. Активное участие в постановке спектакля принимал сам автор. В роли Хлестакова — Н.О. Дюр.

1856 год

Постановка на сцене театра комедии А.В. Сухово-Кобылина «Свадьба Кречинского». В заглавной роли — В.В. Самойлов.

1859 год

Впервые на сцене Александринского театра поставлена пьеса А.Н. Островского «Гроза».

1867 год

Впервые на сцене театра поставлена трагедия А.К. Толстого «Смерть Иоанна Грозного». В роли Иоанна Грозного — П.В. Васильев.

1870 год

Впервые на сцене театра поставлена трагедия А.С. Пушкина «Борис Годунов». В роли Бориса Годунова — Л.Л. Леонидов.

1879 год

Впервые на сцене театра поставлена комедия И.С. Тургенева «Месяц в деревне». В роли Верочки выступила М.Г. Савина.

1889 год

Впервые на сцене императорского театра поставлена пьеса А.П. Чехова «Иванов». Заглавную роль исполнил В.Н. Давыдов

1895 год

Впервые на александринской сцене поставлена пьеса Л.Н. Толстого «Власть тьмы». В роли Акулины выступила М.Г. Савина

1896 год

Впервые на сцене театра поставлена комедия А.П. Чехова «Чайка». В роли Нины Заречной выступила В.Ф. Комиссаржевская. Постановка вошла в историю мирового театра как «провал „Чайки“».

1902 год

На сцене театра осуществлена постановка трагедии Еврипида «Ипполит» в переводе Д.С. Мережковского. Постановку осуществил режиссер Ю.Э. Озаровский, декорации создал Л.С. Бакст.

1910 год

На александринской сцене Вс. Э. Мейерхольдом осуществлена постановка комедии Мольера «Дон Жуан». Художник — А.Я. Головин. В главной роли — Ю.М. Юрьев

1914 год

Впервые на сцене театра поставлена пьеса Л.Н. Андреева «Профессор Сторицын». В заглавной роли — Р.Б. Аполлонский.

Февраль 1917 года

Премьера легендарного спектакля Вс. Э. Мейерхольда и А.Я. Головина по драме М.Ю. Лермонтова «Маскарад». Музыка А.К. Глазунова. Спектакль становится последней постановкой императорской сцены и одним из самых гармоничных спектаклей в истории мировой сцены. В главной роли — Ю.М. Юрьев. Спектакль находился в репертуаре театра до июля 1941 года.

После февраля 1917 года

Театр входит в состав дирекции Государственных театров.

Конец октября 1917 года — март 1918 года

«Cаботаж» большевистской власти, Театр прекращает представления и бойкотирует новую власть.

Март 1918 год

«Автономизация» бывших императорских театров. Театр впервые начинает называться «Александринским» (с приставкой — «бывший») применительно к петроградской государственной драматической труппе.

1919 год

Театр получает статус «академический» и именуется Петроградский государственный академический драматический театр (бывш. Александринский)

1920 год

Театр входит в ассоциацию академических театров.

Театр получает название Государственный академический театр драмы (Госдрама).

1922-1928 годы

Руководителем театра является выдающийся русский актер и театральный деятель Юрий Михайлович Юрьев

1928-1933 годы

Театром руководит видный советский режиссер Николай Васильевич Петров.

1931 год

«Страх» А. Н. Афиногенова. Постановка Н.В. Петрова. В роли профессора Бородина — И.Н. Певцов.

1932 год

Столетний юбилей здания Александринского театра (тогда Ленинградского государственного театра драмы) отмечается как крупный юбилей общественно-политической и культурной жизни страны. При этом, следуя идеологической линии тогдашней власти, семьдесят шесть лет произвольно отсекаются от творческой истории первой государственной драматической труппы России.

1933-1936 годы

Художественным руководителем театра является выдающийся актер, режиссер и педагог Борис Михайлович Сушкевич.

1934 год

«Борис Годунов» А.С. Пушкина. Постановка Б.М. Сушкевича. В роли Бориса Годунова — Н.К. Симонов.

1936-1938 годы

Художественным руководителем театра являлся известный советский режиссер Сергей Эрнестович Радлов.

1936 год

«Лес» А.Н. Островского. Постановка В.П. Кожича. В роли Несчастливцева — Ю.М. Юрьев.

1937 год

В год столетия со дня смерти А.С. Пушкина Ленинградской Госдраме присвоено имя А.С. Пушкина.

1938-1966 годы

Художественное руководство театром осуществляет выдающийся актер, режиссер и педагог Леонид Сергеевич Вивьен.

1940 год

«Дворянское гнездо» И.С. Тургенева. Постановка А.А. Музиля. В роли Лаврецкого — Н.К. Симонов.

1941-1944 годы

Театр в эвакуации. Труппа работает в Новосибирске, на сцене театра «Красный факел». На сцене Александринского театра во время блокады выступает Ленинградский театр музыкальной комедии.

1950 год

«Живой труп» Л.Н. Толстого. Постановка В.П. Кожича и А.Н. Даусона. В роли Феди Протасова — Н.К. Симонов.

1955 год

«Оптимистическая трагедия» Вс. Вишневского. Постановка Г.А. Товстоногова. В роли Вожака — Ю.В. Толубеев, в роли Комиссара — О.Я. Лебзак

1956 год

«Игрок» Ф.М. Достоевского. Постановка Л.С. Вивьена и А.Н. Даусона. В роли Алексея Ивановича — В.И. Честноков.

1958 год

«Бег» М.А. Булгакова. Постановка Л.С. Вивьена. В роли Хлудова — Н.К. Черкасов.

1962 год

«Маленькие трагедии» А.С. Пушкина. Постановка Л.С. Вивьена. В роли Барона — Н.К. Черкасов, в роли Сальери — Н.К. Симонов.

1974 год

«Похождения Чичикова, или Мёртвые души» по Н.В. Гоголю. Постановка Н.М. Шейко. В роли Чичикова — И.О. Горбачев.

1975-1991 годы

Художественным руководителем театра является выдающийся артист и педагог И.О. Горбачёв.

1975 год

«Элегия» П. Павловского. Постановка И.С. Ольшвангера. В роли Тургенева — Б.А. Фрейндлих.

1978 год

«Иванов» А.П. Чехова. Постановка А.О. Сагальчика. В роли Иванова — И.О. Горбачев.

1981 год

Широко празднуется 225-летие Российского-Александринского-Пушкинского театра.

1991 год

Театру возвращается название Александринский. Официальное название театра: Российский государственный академический театр драмы им. А.С. Пушкина (Александринский).

1994 год

«Мсье Жорж. Русская драма» по М.Ю. Лермонтову. Постановка А.А. Праудина

1997 год

«Сказание о царе Петре и убиенном сыне его Алексее» Ф. Горенштейна. Постановка А.В. Галибина

1998 год

Источник: https://alexandrinsky.ru/o-teatre/istorija-teatra/

Ракуго, или театр одного актера

В эпоху Эдо (1603-1868) ракуго («падающие слова»), традиционное японское искусство устного рассказа, окончательно сложилось как сатирический театральный жанр и стало одним из наиболее популярных развлечений обычных граждан. Поначалу выступать и рассказывать анекдоты мог кто угодно, но постепенно появились профессиональные рассказчики – ракугока.

Формально существуют два стиля ракуго – эдоский в регионе Канто (Восточная Япония) и камигата-ракуго в регионе Кансай (Западная Япония). Характерная особенность жанра – комическая развязка оти (буквально «падение»).

Это остроумное завершение монолога, финальный каламбур, так сказать, «соль» шутки, и дало имя всему искусству: термин ракуго состоит из двух иероглифов: раку (или оти) – «падать, ронять» и го – «слово». Во время выступления ракугока двигается, сопровождает рассказ жестами. Из реквизита – только складной веер и небольшое полотенце для рук тэнугуи.

Актер выступает один, кроме него на сцене никого нет. Без костюмов и декораций рассказчик должен увлечь слушателей, умело разворачивая перед слушателями полотно повествования.

Ракуго в реальном времени: ежедневные представления театров Ёсэ

До наших дней сохранились театры Ёсэ, в которых практически ежедневно проходят представления ракуго. Наиболее известные из таких театров – Суэхиротэй (здесь и далее – ссылки на яп. яз.) в Синдзюку, Судзумото-энгэйдзё в Уэно, Асакуса-энгей Холл и Икэбукуро-энгейдзё в Токио, а также Тэмма Тэндзин Хандзётэй в Осаке. В Токийском театре Суэхиротэй билет на представление стоит около 3000 йен, хотя цена может варьироваться.

Здание театра Ёсэ Суэхиротэй в Синдзюку

В классическом ракуго повествование (по-японски нэта), составляющее основу представления, – это в большинстве случаев комический фарс или мелодрама, героями которых обязательно выступают рядовые горожане Эдо (Токио) и Осаки. Наряду с классическим ракуго существует так называемый «новый ракуго» – миниатюры, написанные современными авторами после 1912 года.

Лучшие классические образцы были созданы более чем полтора столетия назад, искусство рассказывать эти анекдоты шлифовалось в течение многих лет и, как это принято в традиционных искусствах, передавалось от учителя ученику. До сих пор есть немало ракугока, специализирующихся именно на классических текстах. В случае же с «новым ракуго» написанные автором истории чаще всего представляет на сцене он сам.

Как правило, это очень характерные и самобытные тексты, большинство из которых можно отнести к социальной сатире. Многие образцы «нового ракуго» высоко ценятся в профессиональных кругах за присущее им воодушевление и амбициозность.

Среди традиционных японских искусств ракуго остается одним из наиболее популярных. Недавнее исследование показало, что 26,4% японцев хотя бы раз побывали на представлении ракуго, в то время как для других традиционных сценических искусств, таких как театры Кабуки, Но и Кёгэн, а также японское искусство танца нихон-буё, этот показатель оказался ниже.

В Японии принято приглашать рассказчиков ракугока в школы выступать перед детьми, которые изучают в рамках школьной программы традиционные искусства. По результатам еще одного исследования оказалось, что 62,1% японцев в возрастной группе от 21 до 30 лет впервые познакомились с искусством ракуго именно в школе(*1).

Ракуго – теперь и по-английски

В последнее время в «новом ракуго» появляется все больше рассказчиков, таких, например, как Кацура Кайси (англ.), которые выступают на английском языке. Среди них есть и двуязычные ракугока, а наиболее известна Дайан Китидзицу из Осаки, уроженка Ливерпуля, которая влюбилась в ракуго сразу же, как только приехала в Японию в 1996 году.

Источник: https://www.nippon.com/ru/features/jg00045/

Новые сцены и репертуар. Жизнь пяти театров после ремонта

Программа по строительству, реконструкции и ремонту театров действует в Москве с 2013 года. К сегодняшнему дню отремонтированные или новые здания получили 40 театров. В планах — привести в порядок еще около 20, среди которых «Модерн», Театр имени Владимира Маяковского, Театр эстрады и другие. За последнее время новые и отремонтированные сцены открыли «Школа современной пьесы», «Современник», «Около дома Станиславского», Театр Олега Табакова и Et Cetera.

«Школа современной пьесы»

«Школа современной пьесы» наконец возвращается в историческое здание на Неглинной улице, которое недавно закончили ремонтировать после пожара 2013-го. Все эти годы театру приходилось показывать спектакли на других площадках. Возвращение отметят 25 января гала-представлением «Труба зовет!». 

Большая сцена теперь называется «Эрмитаж» — в честь ресторана французского повара Люсьена Оливье, который располагался в этом здании с середины ХIX до начала ХХ века. После ремонта обычный зал превратился в зал-трансформер, позволяющий использовать пространство как в традиционном режиме, так и для новаторских форматов постановок. С помощью новой системы поднимающихся частей сцены — плунжеров — можно регулировать высоту разных ее участков.

Любимое место Тургенева и Гиляровского: изучаем меню легендарного ресторана «Эрмитаж»

Будут работать и две другие сцены — «Зимний сад» и Белый зал. Последний планируют отдать под «Кафедру» — совместный проект театра и ГИТИСа. Зрители смогут увидеть здесь лучшие дипломные и курсовые работы студентов.

На сцене «Зимний сад» покажут возобновленный спектакль «Город», который по техническим причинам не могли показывать на временных площадках. А уже 31 января гостей ждет премьера спектакля Филиппа Гуревича «Ганди молчал по субботам» по одноименной пьесе Анастасии Букреевой. Постановку выпускает театральная лаборатория «Класс молодой режиссуры».

Еще один новый спектакль — «Фаина. Эшелон» — художественный руководитель Иосиф Райхельгауз ставит по автобиографии своей матери Фаины Райхельгауз. В главной роли Елена Санаева. На март запланирован променад «На Трубе», в ходе которого расскажут историю старинного особняка, построенного в 1816 году.

Условно это будет спектакль сцены «Эрмитаж», но представление пройдет во всех залах, в репетиционных и даже технических помещениях.

На новые сцены перенесут и уже знакомые зрителям «Русское варенье», «Спасти камер-юнкера Пушкина», «Русское горе от ума», «Подслушанное, подсмотренное, незаписанное», «Дурочка и зэк», «Шинель/Пальто», «Пока наливается пиво».

В дом на углу Неглинной улицы и Петровского бульвара «Школа современной пьесы» въехала в 1989 году. Изначально зал вмещал в себя всего 380 человек, но позже, в 1998-м, открыли дополнительную сцену «Зимний сад» на 200 зрителей.

ЭТО ИНТЕРЕСНО:  Как называется подставка для свечи

«Около дома Станиславского»

В начале апреля 2018-го обновленная сцена открылась и в театре «Около дома Станиславского». Из исторического здания в Вознесенском переулке театру пришлось переехать в 2004 году из-за пожара. Сгорело все: зрительный зал, декорации, костюмы. Однако долго скитаться не пришлось. Спектакли начали показывать в репетиционном зале La stalla (в переводе с итальянского — «конюшня»), который находится неподалеку.

«Около дома Станиславского»: что нужно знать о театре Юрия Погребничко

В восстановленном зале 86 мест. Он оборудован верхней и нижней механизацией, трюмом, двумя зрительскими фойе, гримерными. Есть пошивочный и бутафорский цеха, костюмерная. И самое главное — здесь установили современное качественное световое и звуковое оборудование. Спектакли теперь показывают на обеих сценах.

Свое нынешнее название театр получил после прихода в него художественного руководителя Юрия Погребничко в 1988 году. До этого коллектив был театром-студией «На Красной Пресне».

«Наш театр вот уже 30 лет живет в Вознесенском переулке. После пожара в основном здании нам пришлось переехать в совсем крохотное, но очень уютное пространство по соседству. И вот наконец после долгого капитального ремонта наша основная сцена — теперь мы называем ее новой — снова открыта. Мы очень благодарны городу за то, что наш долгострой наконец завершен. Весь этот год мы постепенно будем адаптировать старые спектакли и готовить к выпуску новые. Не так давно мы выпустили спектакль “Фотоаппараты”, а ближайшая премьера этого сезона — “Вишневый сад” в постановке худрука театра Юрия Погребничко», — рассказал директор театра Константин Заславский.

Театр Олега Табакова

Больше двух тысяч квадратных метров зеркал — сцена на Сухаревской Театра Олега Табакова может удивить гостей необычной идеей оформления фойе. Зеркала здесь повсюду: стены, потолки, лестницы. Еще Олег Павлович мечтал о том, чтобы новая сцена смогла вмещать как можно больше зрителей. Сдать он ее успел, а вот открыть, довести до конца — нет. Нынешний художественный руководитель Владимир Машков смог воплотить эту мечту, визуально увеличив число гостей с помощью зеркал.

Первый этаж назвали «Внимание» — именно здесь зрителям предстоит встретиться со своими многочисленными отражениями. Второй — «Воображение», здесь установлены красочные авторские витражи. Третий — «Чувства»: здесь зрителей встречает портрет Табакова в окружении бабочек, они символизируют учеников Олега Павловича. А на сцене появился плетеный занавес, напоминающий холст художника.

Спектакли будут показывать и на основной сцене (на Чистых прудах), и здесь. В марте Сергей Пускепалис поставит на новой сцене спектакль «Русская война Пекторалиса» по рассказу Николая Лескова «Железная воля».

Алла Сигалова приступает к работе над музыкально-драматической постановкой My Fair Lady. А самое ближайшее событие — 27 января. Здесь покажут восстановленную «Матросскую Тишину» по пьесе Александра Галича. Когда-то, много лет назад, в ней сыграл и сам Машков.

В этот раз он тоже выйдет на сцену — вместе с Владиславом Миллером, Сергеем Беляевым, Яной Сексте и другими актерами театра.

«Современник»

Основная сцена «Современника» на Чистопрудном бульваре заработала после реставрации здания в конце 2018 года. Ему вернули его исторический облик. Лепнина, декоративные элементы карнизов — все было восстановлено. На фасад вернулась надпись «Кинотеатръ “Колизей”» — кинотеатр находился здесь до 1970-го.

Ремонт был грандиозный: во всех помещениях установили кондиционеры, новые системы вентиляции и инженерные системы, укрепили фундамент здания, обновили электрику, восстановили кирпичную кладку, заменили перекрытия сценической коробки, сделали гидроизоляцию подвалов и обновили кровлю. Режиссеры и художники теперь смогут использовать для реализации своих идей выкатной движущийся круг, который хранится под зрительным залом. А для гостей поставили просторные удобные кресла. Еще привели в порядок фойе, гардероб, буфет, кулуары и гримерки.

Реставрация заняла два года. В это время «Современник» показывал спектакли на площадке театрально-концертного зала «Дворец на Яузе».

Как родился «Современник». История театра в рассказах его основателей

Первую премьеру представят уже 8 февраля, это будет трагикомедия «Дюма» по пьесе Ивана Охлобыстина. Режиссер — Михаил Ефремов. Главные герои — актеры провинциального театра, всю жизнь играющие «Трех мушкетеров». Их жизнь меняется, когда на роль Д’Артаньяна назначают новичка.

Галина Волчек: Моду надо приспосабливать под себя

Et Cetera

В театре Et Cetera новую сцену Эфросовского зала открыли тоже в декабре. В новом зрительном зале 100 мест. Как расставить кресла, режиссер сможет выбрать сам — в зависимости от конкретного спектакля.

Новая сцена открылась премьерой спектакля «В зоне доступа». Пьесу Полины Бабушкиной о тайнах, которые хранят гаджеты, поставил выпускник ГИТИСа Иван Миневцев. И в дальнейшем гости не увидят ничего из того, что уже идет в репертуаре, — ставить здесь будут исключительно новые вещи.

«Чистый кубик Рубика». Театр Et Cetera открыл новую сцену

Новую сцену ждали 14 лет — именно столько времени прошло с момента, когда театр обосновался в этом здании, построенном во Фролове переулке специально для него. Но в том, что она обязательно появится, сомневаться не приходилось — нужно было лишь дождаться окончания строительства станции метро «Сретенский бульвар». Только после этого начали возводить пристройку.

Источник: https://www.mos.ru/news/item/50280073/

Уникальность театра Кабуки. Его символика, пьесы, сцена

Корни японского традиционного театрального искусства кабуки (歌舞伎) в драматическом танце кабуки. Мир Японии невозможно представить без этого сложного драматического искусства.

Сегодня составляющие слова кабуки иероглифы 歌舞伎 обозначают: – песня, – танец и – искусство.

Иными словами, кабуки – сложное театральное представление, композиционно включающее в себя песенные, танцевальные и драматические элементы. Возникновение театра кабуки относят к XVII столетию.

Согласно сайту, посвященному японской музыкальной традиции jtrad, изначально слово «кабуки» происходило от глагола кабуку (наклоняться, склоняться, отклоняться), которое в 17 столетии, означало «что-либо не совсем правильное и не находящееся в порядке вещей» и использовалось для описания кичливого поведения и странных броских костюмов молодых людей, начавших жить мирной жизнью после десятилетий затяжных войн. Их появление и манера говорить позже была трансформирована в сценическое действие «кабуки одори» (танец кабуки). Постепенно танцы и небольшие постановки эволюционировали в сложные драмы, получившие название кёгэн. Слово кёгэн использовалось также для именования фарсов, которые сопровождали серьезные глубокие постановки тетра Но. Есть версия также, что начало театральной культуре кабуки положила служительница синтоистского святилища Идзумо-но Окуни (出雲の阿国) из Киото, которая в самом начале XVII века исполнила священный танец молитву в высохшем русле реки.

Постепенно представления театра усложнялись. С самого начала своего образования кабуки был чрезвычайно популярен среди населения. Вскоре сёгунат принял решение, что театральные постановки нуждаются в определенном регулировании, дабы не подорвать общественные и нравственные устои японского общества. С 1653 года в театре кабуки все роли исполняются взрослыми мужчинами. Постепенно были утверждены типы ролей, их наименования: tachiyaku – актеры, играющие мужскую роль onnagata – актеры, играющие женскую роль katakiyaku – актеры, играющие роль злодея

dokeyaku – актеры, играющие роль шута

Виды театральных пьес Кабуки

На сегодняшний день существуют три вида театральных пьес театра кабуки: 1. Дзидай-моно (時代物 / jidai-mono) – исторические представления, основанные на историях до периода Сэнгоку (или иначе Эпоха воюющих провинций – период с конца XV в. по конец XVI в.) 2. Сева-моно (世話物 / sewa-mono domestic) бытовые представления, основанные на историях после периода Сэнгоку японской истории. 3. Сёсагото (所作事 / shosagoto ) – танцевальные пьесы.

Дзидай-моно или исторические пьесы в репертуаре кабуки освящают основные события японской истории. Строгие законы периода Эдо запрещали ставить в театре пьесы, основанные на современных событиях, а особенно критиковать сёгунат.

Большинство представлений освящают военные действия исторического периода Намбокутё (1334 — 1392 гг.

), а именно, противостояние императора Го-Дайго и основателя сёгуната Муромати Асикага Такаудзи, войны Гэмпэй 1181-1185 годов (или войны кланов Тайра и Минамото) и многие другие.

Боясь цензуры, многие представления использовали этот исторический фон для отражения современных событий. Одни из лучших примеров – одна из самых популярных в репертуаре кабуки пьеса Канадэхон Тю:сингура, изначально возникшая как пьеса бунраку(「仮名手本忠臣蔵」). События в ней разворачиваются словно в 30-годах 14 столетия, хотя на самом деле пьеса повествует о современной восемнадцатому столетию истории о мести 47 ронинов из Ако.

В отличии от дзидай-моно, повествующих главным образом о самураях, главными героями пьес Сева-моно становятся простолюдины, крестьяне и горожане. Основная тематика этих пьеса – семейная или любовная драма.

Элементы театра кабуки

Важные элементы кабуки включают миэ (見得), характерный жест или поза актера театра кабуки, в котором он демонстрирует характер своего персонажа. В этот момент знающий зритель может выразить свое признание и восхищение достижениям и талантливой игре актера, громким голосом (掛け声 / kakegoe) провозглашая его настоящее наследственное имя (屋号 / yagо:). Еще большим комплиментом будет если при этом называется имя отца актера.

Важнейшей составляющей театра кабуки выступает грим. Рисовая пудра используется для создания белой oshiroi основы для грима. А кумадори (隈取 – гримировка) усиливают и гиперболизируют лицевые линии для создания определенного образа.

Цвета линий в гриме кумадори характеризуют природу персонажа: красные линии символизируют страсть, героизм, справедливость, а также иные положительные черты; синие или черные – зависть, подлость и другие отрицательные характеристики; зеленый – сверхъестественное; фиолетовый – благородство.

Пьеса театра кабуки длится по времени намного длиннее нашего или европейского театрального представления. Некоторые пьесы, особенно исторические дзидай-моно, могут длиться весь день.

Структура дневной программы была унаследована из кукольного театра бунраку и театра Но, но также она проявляется и вдругих видах японского искусства, являясь традиционной для Японии.

Речь идет о концепции Дзё-Ха-Кю (序破急), которую мы уже успели рассмотреть в статье о традиционной японской музыке. Согласно данной концепции строится вся структура пьесы, ею определяются действия актеров и даже устройство сцены.

Полная пьеса (полная программа пьесы) занимает пять актов. Первый акт соответствует Дзё указанной выше концепции. Они постепенно вводит зрителя в суть сюжета, знакомит с персонажами.

Следующие три акты соответствуют Ха, события набирают скорость, приближаясь к своей кульминации, которая обычно наступает в третьем акте. Во втором или четвертом – возможна постановка каких-либо битв или сражений.

Заключительный акт – Кю – почти всегда короткий. В нем раскрываются умозаключения и выводы.

Кстати, исторически традиции театра Кабуки в Эдо (прежнее название Токио) и регионе Осака и Киото принципиально различались стилистикой представления и манерой игры актеров. Представления кабуки региона Камигата (Осака и Киото) были более уравновешенным и сосредоточивались на реализме игре актеров.

ЭТО ИНТЕРЕСНО:  Псалтырь о здравии что это такое

Важнейшая составляющая театра кабуки музыкальное искусство лирического стиля Нагаута (長歌, «длинная песня»). Большинство танцевальных постановок используют Нагаута в качестве аккомпанемента. Также вся фоновая музыка создается оркестром Нагаута. Искусство Нагаута эволюционировало вместе с развитием кабуки, Нагаута включает такие музыкальные инструменты как сямисэн, бива.

Сцена в кабуки также имеет интересное устройство. Главные её особенности – Кабуки но бутай и Ханамити. Кабуки но бутай – вращающаяся сцена с устроенными люками, которые позволяют актерам неожиданно появляться и исчезать. Ханамити – часть сцены, которая позволяет разворачивать действие непосредственно в зрительном зале.

Знаменитые пьесы театра кабуки

К наиболее известным пьесам кабуки относятся: 1) Kanadehon Chu:shingura (「仮名手本忠臣蔵」かなでほんちゅうしんぐら). Уже упоминавшаяся выше легенда о мести 47 ронинах из Ако за смерть своего господина. 2) Yoshitsune Senbon Zakura(「義経千本桜」-よしつねせんぼんざくら).

Пьеса написана была в 1747 году для кукольного театра бунраку Такедо Изумо II, Miyoshi Sho:raku and Namiki Senryu: I. Годом позже пьеса была адаптирована для постановки в театре кабуки.

Повествует пьеса о военных действиях Гэмпэй, противостоянии кланов Тайра и Минамото, междоусобицы братьев Ёсицунэ и Ёримото из клана Минамото, наступлении мира. 3) Sugawara Denju Tenarai Kagami (「菅原伝授手習鑑」-すがわらでんじゅてならいかがみ).

Пьеса повествует о жизни знаменитого ученого, поэта, государственного деятеля второй половины IX века в Японии Сугавара но Мичидзане (845–903), который был изгнан из Киото недоброжелателями из рода Фудзивара. Его смерть вызвала ряд бедствий в столице. Впоследствии, Сугавара но Мичидзане был обожествлен как Тэндзин, божество и покровитель познания, учености, поэзии.

Уникальность театра кабуки в его абсолютной оригинальности. И помимо перечисленных выше особенностей исполнительского, музыкального и танцевального искусства, устройства сцены, особенностей грима и сюжетов, кабуки – это, прежде всего, невероятный японский символизм. Высоко стилизованные движения актеров призваны передать те или иные смыслы сюжета, эмоций, поведения персонажа.

И это чрезвычайно важная составляющая искусства кабуки, поскольку в представленной символической стилизации на сцене искусно воплощаются и древнейшие формы японского драматического действа, возможно, которые и не всем японцам могут быть абсолютно во всех нюансах понятны.

Поэтому, для получения большего эстетического наслаждения и понимания происходящего, прежде, чем Вы решите посетить театр кабуки, лучше будет хотя бы в общих моментах ознакомиться с историей того театрального действия куда Вы пойдете.

В ноябре 2005 года японский театр кабуки был внесен в Список нематериального культурного наследия человечества ЮНЕСКО.

Источник: http://yumenohikari.ru/japan/teatr_kabuki_simvolika_piesy_scena

Театр (театральное искусство)

статьи

ТЕАТР (от греч. theatron – места для зрелища, зрелище), основной род зрелищного искусства. Родовое понятие театра подразделяется на виды театрального искусства: драматический театр, оперный, балетный, театр пантомимы и т.д.

Происхождение термина связано с древнегреческим античным театром, где именно так назывались места в зрительном зале (от греческого глагола «теаомай» – смотрю). Однако сегодня значение этого термина чрезвычайно многообразно.

Его дополнительно употребляют в следующих случаях:

1. Театром называют здания, специально построенные или приспособленные для показа спектаклей («Театр уж полон, ложи блещут» А.С.Пушкин).

2. Учреждение, предприятие, занимающееся показом спектаклей, а также весь коллектив его сотрудников, обеспечивающих прокат театральных представлений (Театр Моссовета; гастроли Театра на Таганке и т.п.).

3. Совокупность драматургических или сценических произведений, структурированных по тому или иному принципу (театр Чехова, театр эпохи Возрождения, японский театр, театр Марка Захарова и т.д.).

4. В устаревшем значении (сохранившемся только в театральном профессиональном арго) – сцена, подмостки («Благородная бедность хороша только на театре» А.Н.Островский).

5. В переносном значении – место каких-либо происходящих событий (театр военных действий, анатомический театр).

Театральное искусство обладает специфическими особенностями, делающими его произведения уникальными, не имеющими аналогов в других родах и видах искусства.

Прежде всего, это синтетическая природа театра. Его произведения с легкостью включают в себя практически все иные искусства: литературу, музыку, изобразительное искусство (живопись, скульптуру, графику и т.д.), вокал, хореографию и др.; а также используют многочисленные достижения самых разнообразных наук и областей техники.

Так, например, научные разработки психологии легли в основу актерского и режиссерского творчества, так же, как и исследования в области семиотики, истории, социологии, физиологии и медицины (в частности, в обучении сценической речи и сценическому движению).

Развитие разных отраслей техники дают возможность усовершенствованию и переходу на новый уровень машинерии сцены; звуковому и шумовому хозяйству театра; световой аппаратуры; возникновению новых сценических эффектов (например, дым на сцене и пр.). Перефразируя известное изречение Мольера, можно сказать, что театр «берет свое добро там, где его находит».

Отсюда – следующая видовая особенность театрального искусства: коллективность творческого процесса. Однако здесь дело обстоит не так просто. Речь идет не только о совместном творчестве многочисленного коллектива театра (от актерского состава спектакля до представителей технических цехов, чья слаженная работа во многом определяет «чистоту» спектакля).

В любом произведении театрального искусства есть еще один полноправный и важнейший соавтор – зритель, чье восприятие корректирует и трансформирует спектакль, по-разному расставляя акценты и порой кардинально меняя общий смысл и идею представления. Театральный спектакль без зрителя невозможен – уже само название театра связано со зрительскими местами.

Зрительское восприятие спектакля – серьезная творческая работа, вне зависимости от того, осознается это публикой или нет.

Отсюда и следующая особенность театрального искусства – его сиюминутность: каждый спектакль существует только в момент его воспроизведения. Эта особенность присуща всем видам исполнительского искусства. Однако здесь есть свои особенности.

Так, в цирке, при требовании артистизма участников представления, основополагающим фактором все же становится техническая чистота трюка: ее нарушение несет опасность для жизни циркового артиста, вне зависимости от присутствия или отсутствия зрителей.

В принципиальном активном соавторстве со зрительской аудиторией находится, пожалуй, лишь один цирковой артист – клоун.

Отсюда и пошло развитие одного из видов театра, театральной клоунады, которая развивается по законам, близким к цирковым, но все же иным: общетеатральным.

Исполнительское же музыкальное и вокальное искусство с развитием техники аудиозаписи получило возможность фиксации и дальнейшего многократного воспроизведения, идентичного первоначальному. А вот адекватная видеозапись театрального спектакля в принципе невозможна: действие нередко развивается одномоментно в разных частях сцены, что придает объем происходящему и формирует гамму тонов и полутонов сценической атмосферы.

При крупных планах съемки нюансы общей сценической жизни остаются за кадром; общие же планы слишком мелки и не могут передать всех деталей. Не случайно творческими удачами становятся лишь режиссерские, авторские телевизионные или кинематографические версии театральных спектаклей, сделанные по кросскультурным законам.

Это как с литературным переводом: сухая фиксация театрального спектакля на пленку аналогична подстрочнику: вроде бы все верно, но магия искусства пропадает.

Возникновение искусства театра

Истоки театрального искусства лежат в первобытных языческих ритуалах и обрядах, связанных с коренными моментами жизни тогдашнего общества. Персонификация явлений природы в том или ином божестве обусловливала необходимость своеобразного диалога с богами – в обрядах и ритуалах разыгрывались (т.е. подавались в театральной форме) ключевые моменты, жизненно важные события.

В обрядовых действах, казалось бы, не было зрителей как таковых, все их участники, сколько бы их ни было – много ли, при массовом обряде, или только жрецы, при обряде тайном были непосредственно включены в само действо. Тем не менее, зритель был, точнее, подразумевался: эти театрализованные действа, первобытные мистерии, адресовались божествам, с ними вступали в диалог участники обряда.

Так задавалась сакральность действа, высочайшая нота, сохраняющаяся в лучших произведениях театра и сегодня.

Возникало первое осознание необходимой профессионализации будущего театра: чем искуснее ведется диалог с богами, тем вероятнее достижение их благосклонности. Т.о., первыми профессионалами архаичных театрализованных форм были жрецы и шаманы; позже – плакальщики, певцы, танцоры, прославлявшие древних богов – Диониса, Сатурна, Осириса, Ваала, Коляду, Астарту.

Здесь же впервые сформировалась и была осознана одна из важнейших социальных функций будущего театра – идеологическая. Близость к богам дает жрецам власть; для того, чтобы ее поддерживать, необходимо формировать нужное общественное мнение и настроение, идеологическую доктрину.

Высокая степень эмоциональной включенности участников обрядовых действ (а позже – театральных зрителей), т.е. коллективное переживание, делает их наиболее внушаемыми.

Отсюда идет распространенное и вполне объективное утверждение, что театр есть общественная трибуна, с которой пропагандируется и внушается система политических, правовых, религиозных и других взглядов общества.

Вторая, не менее важная общественная функция театрального искусства – коммерчески-развлекательная, она скорее есть производная от идеологической как отвлечение от наиболее острых проблем. Вспомним лозунг римской черни эпохи императорской власти: «Хлеба и зрелищ» (лат. Panem et circenses).

И как любая индустрия развлечений, коммерчески-развлекательный театр способен приносить серьезную прибыль, что в свою очередь, является привлекательным для идеологических и властных структур.

Так, обе социальные функции театра на протяжении всей его истории существуют во взаимообусловленном единстве, порой переплетаясь самым прихотливым образом.

Организация театрального дела

При всем разнообразии видов театрального искусства, создание сценического произведения проходит ряд необходимых одинаковых этапов, требующих определенной организационной работы.

Первый – выбор литературной основы спектакля (на самых ранних, архаичных стадиях – выбор сюжета, повода для создания действа: праздник календарного цикла, подготовка к охоте и т.д.). Это большой подготовительный период, который проходит под руководством художественного руководителя театра.

Его главными «действующими лицами» становятся коммерческий директор (продюсер) и главный бухгалтер театра: прежде всего, необходимо определить и утвердить финансовую смету спектакля. Этот, казалось бы, технический аспект театрального производства на деле закладывает основу как художественного решения, так и дальнейшего успеха будущего спектакля.

Конечно, далеко не всегда можно выводить прямую зависимость крупного художественного достижения от размера суммы, вложенной в подготовку спектакля. Однако можно с уверенностью говорить о том, что недостаточное финансирование наверняка обеднит художественное решение постановки, а возможно и погубит ее.

https://www.youtube.com/watch?v=8-6JJhWdz4E

Финансовая смета спектакля учитывает огромное количество самых разных факторов. Первые расчеты начинаются уже при выборе литературного материала. Здесь важен год написания пьесы – т.е. подпадает ли ее автор под действие Международной конвенции об авторских правах.

Необходимо знать и сценическую историю выбираемого произведения: если пьеса ставилась на сцене раньше, то речь пойдет только о выплате процентов автору с ее каждого будущего публичного исполнения на сцене. Если же пьеса ставится впервые, то расходы возрастут: необходимо будет выкупить право на постановку. Если речь идет о переводной пьесе, то аналогичным образом решаются и проблемы перевода.

Скажем, пьесы Шекспира в оригинале давно уже стали мировым достоянием, и «авторские» проценты платить не нужно. Однако в зависимости от времени исполнения выбранного варианта перевода необходимо подсчитать размер гонорарных выплат переводчику (или его наследникам). То же касается выплаты гонораров инсценировщику, автору дополнительных текстов и т.д.

Немалое значение имеет и количество действующих лиц выбранной пьесы: здесь речь пойдет не только об оплате работы актеров, но и о финансовом планировании репетиционного процесса – как «развести» репетиции нового спектакля с эксплуатацией уже идущего репертуара.

Источник: https://www.krugosvet.ru/enc/kultura_i_obrazovanie/teatr_i_kino/TEATR.html

Понравилась статья? Поделиться с друзьями:
Молитослов
Почему люди принимают ислам

Закрыть